Philharmonía de las Esferas

El sonido de agitar una mano

2011-12-22T12:14:00.009+01:00

Ese extraño batir de palmas no tiene ningún sentido,

y para mí es muy molesto.

[...] Destruye el estado de ánimo que mis colegas y yo hemos tratado

de crear con nuestra música.

Leopold Stokowski

Don Campbell, en su libro EL EFECTO MOZART, escribe los siguientes párrafos, en referencia al acto de aplaudir las interpretaciones exitosas en las actuaciones musicales:

El rito del aplauso es una abominación auditiva, al menos en la sala de conciertos. Los aplausos disipan de inmediato los poderes de la música que han ido intensificándose en el cuerpo y llegan a la cima al final de la interpretación. Cuando una música sublime me lleva a un estado de transcendencia, como lo hacen la Novena Sinfonía de Beethoven, un motete de Palestrina o la Missa Gaia de Paul Winter, prefiero quedarme como estoy y no ser bombardeado por un maremoto de ruido. Con mucha frecuencia mis amigos me ven aplaudir en los conciertos solamente cuando deseo borrar cuanto antes de mi memoria lo que acabo de oír.
En el Lejano Oriente, el batir palmas se usa precisamente de esa manera. A los meditadores se les enseña a batir palmas para disipar las ilusiones y purificar la atmósfera. La escucha más profunda es contraria al aplauso; permite que la fragancia y néctar del sonido acaricie la piel y masajee el alma. Actualmente en algunas comunidades, entre ellas unas cuantas iglesias y salas de concierto, en lugar de aplaudir la gente agita una mano para expresar su aprecio y admiración.
Batir palmas tiene su utilidad: es una buena manera de integrar los hemisferios cerebrales izquierdo y derecho, ya que las manos se encuentran en la línea media del cuerpo, creando harmonía entre la percepción racional y la estética. El chamán batía palmas con el fin de poner límites entre un estado mental y otro. Pero es necesario que encontremos nuevas maneras de demostrar aprecio y admiración por la música que acabamos de disfrutar sin dispersar esos sonidos mágicos. Tal vez el sonido de una mano agitándose es el más verdadero de todos los aplausos.

A mi, cada vez más, me molestan los aplausos. Afortunadamente, he tenido la dicha de poder disfrutar algunas veces con la interpretación de música sacra, en iglesias, durante la ceremonia mágica (bueno, desde el Concilio Vaticano II ya no tan mágica) de la eucaristía. Quién haya podido experimentar la sensación de dirigir una orquesta y/o un coro en esas circunstancias, recibiendo al final de la pieza el premio del silencio, sabrá comprender mis palabras.

¿Mi sueño? Casi irrealizable (no hay nada imposible). Dirigir la Misa en Si menor de Bach, en una catedral de proporciones áureas, con la liturgia de la misa tridentina y, ¡sin público!...

Esta vez no os pongo ninguna audición; os dejo en silencio agitando una sola mano...

Me voy a soñar...

Música y sanación

2011-10-16T17:14:00.002+02:00

La noche anterior a la circuncisión se celebraba una ceremonia cerca de nuestras cabañas, con cantos y bailes. Venían mujeres de las aldeas vecinas y bailábamos al ritmo de sus cantos y batir de palmas. Cuando la música se hacía más rápida y fuerte, el baile era más frenético y por unos momentos nos olvidábamos de lo que nos esperaba.

Los vapores alquímicos de Parsifal

2011-09-20T19:49:00.004+02:00

Mauricio Wiesenthal me ha secuestrado el alma, con su libro Luz de Vísperas, en el que funde varias técnicas, bebe de diferentes géneros y se sirve de estrategias narrativas procedentes de las más diversas disciplinas artísticas como la pintura, la épica, la tragedia, la lírica y, por supuesto, la música.

Os inserto, a modo de cebo, los siguientes párrafos extraídos del capítulo CLXI, con la seguridad de que aquellos que saben saborear buena literatura envejecida en madera de roble negro, saldrán prestos a buscar un ejemplar en la librería de guardia más cercana:

El maestro Loewe habló aquella noche del Parsifal.
-Me gustaría poder ofrecerle ahora, doctor Kailas, el Preludio del Parsifal, como suena en este momento en mis oídos. Mejor que el mejor coñac.
Gustav observó que frau Werner, sentada justo debajo de ellos, en el gineceo, parecía aguzar el oído.
-Primero el tema material con toda su densidad -el músico tarareó el tema y lo fue acompañando con las manos, como si dirigiese una orquesta-. Todo se entona en la mezcla. Luego la llama lenta del alambique va convirtiendo la materia de los instrumentos, la cuerda y el viento, en el espíritu sublime de los violines y cellos, del clarinete y el fagot. Después, ya sólo queda el alma -Loewe levantó sus ojos y sus manos al cielo, en un gesto teatral de entrega-: los instrumentos, una octava más altos. Y se va aclarando la sustancia tonal con flautas y clarinetes hasta que se convierte en perfume, en oración, en una fusión de los sentidos. Escuchen amigos, escuchen bien. No existe ya el instrumento... sino la orquesta.

Compositores nacidos bajo el signo solar de Géminis

2011-05-21T11:22:00.006+02:00

Esta carta natal que preside las palabras que escribo, relata el instante de nacimiento de Richard Wagner, el 22 de mayo de 1813 (mañana cumple 198 años). Hoy, desde las 9:22 (hora de Greenwich), ya respiramos bajo el signo solar de Géminis, que este año nace nada más y nada menos que con la Luna en Capricornio: para entendernos, en términos musicales, Capricornio es a Géminis lo que La Mayor es a Re Mayor, o sea, una relación de Dominante y Tónica... Además de Wagner, los siguientes compositores también nacieron géminis: Mijail Glinka (1-6-1804); Robert Schumann (8-6-1810); Charles Gounod (17-6-1818); Edward Grieg (15-6-1843); Sir Edward Elgar (2.6.1857); Isaác Albéniz (29-5-1860); Richard Strauss (11-6-1864); Igor Stravinsky (17-6-1882) e Iannis Xenakis (29-5-1922) entre otros.

Para celebrar la llegada a nuestras vidas una vez más de los gemelos astrales, mi intuición me aconseja auditar la Overture de Die Meistersinger von Nürnberg (Los maestros cantores de Nuremberg), ópera en tres actos escrita y compuesta por nuestro homenajeado. Esta vez, propongo una versión de Arturo Toscanini de 1950, al frente de la NBC Symphony Orchestra, formación que él mismo fundó en 1937.

La música como discurso sonoro

2011-03-27T20:19:00.007+02:00

Johann Nicolaus Graf de la Fontaine und d'Harnoncourt-Unverzagt, más conocido como Nikolaus Harnoncourt, además de sorprendernos como intérprete y director (uno de los pioneros en la interpretación con instrumentos originales), no deja de deleitarnos a través de su densa y no menos influyente contribución a la filosofía de la música antigua, especialmente del período barroco aunque sin olvidar el clásico, con sus sabrosos ensayos literarios, milimétricamente elaborados durante toda una vida de experiencia y reflexión.

De los libros escritos por este "genio que dirige con los ojos", hoy voy a destacar uno que leí poco después de su publicación en español por Acantilado, en diciembre de 2006: "La música como discurso sonoro".

Su primera edición en alemán (Musik als Klangrede es su título original) se produjo en 1984 y desde entonces, muchos consideran esta colección de ensayos como una especie de "Credo" de una de las voces más autorizadas de la interpretación musical histórica, imprescindible para que tanto intérpretes como oyentes sean capaces de comprender cabalmente el "discurso sonoro" de cada época.

Dividido en tres grandes capítulos, su contenido es el siguiente:

1. ASPECTOS FUNDAMENTALES DE LA MÚSICA Y DE LA INTERPRETACIÓN
La música en nuestra vida
Sobre la interpretación de la música histórica
Comprensión de la música y formación musical
Problemas de notación
La articulación
La medida del tiempo
Sistemas tonales y afinación
De la "afinación mesotónica" a la "afinación temperada"
Música y sonoridad
Instrumentos antiguos: ¿sí o no?
La reconstrucción de las condiciones sonoras originales en el estudio
Las prioridades. Valoración de los diversos aspectos

2. INSTRUMENTARIO Y DISCURSO SONORO
Viola da brazzo y viola da gamba. Un esbozo de la historia de los instrumentos de cuerda
El violín. El instrumento barroco solista
La orquesta barroca
La relación casi-palabra-sonido en la música instrumental pura barroca
Del barroco al clasicismo
Origen y evolución del discurso sonoro

3. MÚSICA BARROCA EUROPEA - MOZART
Música programática - El op. 8 de Vivaldi
El estilo italiano y el estilo francés
Compositores barrocos austríacos. Intentos de conciliación
Telemann. Los gustos reunidos
Música instrumental barroca en Inglaterra
Concerto grosso y trío sonata en Händel
Lo que dice un autógrafo
Movimientos de danza. Las suites de Bach
Música barroca francesa. Excitantemente nueva
La ópera francesa: Lully-Rameau
Reflexiones de un músico de orquesta sobre una carta de W. A. Mozart
Observación final

No puedo terminar este artículo sin invitaros a oír una obra carismática, dirigida por nuestro protagonista de hoy: LA PASIÓN SEGÚN SAN MATEO BWV 244 de J. S. Bach, audición muy apropiada para estos días (escribo en el tercer domingo de cuaresma). El montaje videográfico es curioso, pues va reproduciendo la música sobre el manuscrito. Espero que os guste.

El Rey David

2011-03-09T11:52:00.004+01:00

David, en hebreo דָּוִד, «el amado» o «el elegido de Dios»; c. 1040 a. C. - 970 a. C.), fue un rey israelita, sucesor del rey Saúl, al que curó la melancolía gracias al poder de la música sobre el alma humana. Su historia se narra en los libros del profeta Samuel y en los Salmos del Antiguo Testamento de la Biblia, una colección de ciento cincuenta poemas religiosos, compuestos por varios autores, atribuidos en su mayoría a nuestro protagonista, por lo que también son conocidos como «Salmos de David». Estos poemas no son sólo oraciones de fe; también constituyen un importante elenco de conjuros de gran fuerza, que ayudan a mejorar la salud, el trabajo, las relaciones y otras muchas gracias.

Músico arquetípico del Antiguo Testamento, David suele aparecer en las obras artísticas tocando y rodeado de instrumentos y músicos, como podemos ver en la imagen que preside este artículo, un manuscrito del siglo XII conservado en la Glasgow University Library, en el que nuestro rey toca el harpa mientras otros músicos tañen las campanas, el salterio, el rebec, las flautas, la fídula y la zanfonía para dos intérpretes.

Es abundante la música existente relacionada con David. Barajando posibilidades, me he quedado con esta canción de Leonard Cohen, Hallelujah, que empieza así:

He oído que existe un acorde secreto
que David solía tocar, y que agradaba
al Señor.
Pero tú realmente no le das mucha
importancia a la música, ¿verdad?
Era algo así como la cuarta, la quinta
cae la menor y sube la mayor.
El rey, confundido, componiendo un aleluya.

El Maestro Odón Alonso viaja al infinito

2011-02-21T16:42:00.006+01:00

Siendo yo adolescente, su magisterio al frente de la Orquesta de RTVE me ayudó a descubrir numerosos compositores, empezándome a fascinar Wagner, gracias a sus sabias explicaciones presentando la obertura de Tannhäuser. Sus intervalos y acordes perfectos, resonando con las esferas, iniciaron en mí una wagnerfilia que ha ido creciendo imparablemente hasta hoy; estoy completamente seguro que fue Odón Alonso quién durante aquellos días me entreabrió aquellas puertas.

Sólo alcancé a verlo en directo una vez en mi vida, al frente de la Orquesta Nacional de España en un teatro cateto del sur, y digo cateto, pues tuve que esperar para poder estrechar su mano en la calle, ya que el citado teatro tiene restringidas las entradas a camerinos (jamás me ha pasado en Madrid, pues tanto en teatros como el Real, La Zarzuela, etc. todo han sido facilidades para mí). El Maestro, cuando lo saludé, comentó con pena la manía de algunos teatros de provincia que no dejan entrar a saludar a camerinos. Ese día disfruté de manera especial con su emotiva versión de la Sinfonía del Nuevo Mundo, rebosante de expresividad.

Hoy se ha marchado de viaje, al infinito, pero yo quiero recordarlo como siempre, como en aquellos programas en blanco y negro de la única televisión que entonces teníamos y que tanto criticábamos, pero que con el tiempo añoramos ante tanta mediocridad actual. Quiero recordarlo en activo, con una cantante también mágica, Victoria de los Ángeles, con la que seguramente hoy se habrá reunido para interpretar a Mozart, que también andará por ahí arriba pegando carcajadas.

Hoy cumple 107 años Madama Butterfly

2011-02-17T18:44:00.007+01:00

Madama Butterfly (Señora Mariposa) es una ópera en tres actos (originalmente en dos) compuesta por Giacomo Puccini, con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en una obra de teatro de David Belasco, quien a su vez se inspiró en el libro Madame Chrysanthéme de Pierre Loti.

Estrenada en Milán el 17 de febrero de 1904, obtuvo ese día una muy mala recepción por parte del público y de la crítica. El 18 de mayo de ese mismo año, una revisión de la obra representada en Brescia sí conquistó a la audiencia, siendo desde entonces junto a La Boheme y Tosca una de las tres óperas más representadas de Puccini.

Para celebrar su 107 cumpleaños, os dejo el siguiente vídeo del Concierto "Voces para la Paz 2003", celebrado en el Teatro Monumental de Madrid el 11 de Mayo de 2003; fue dirigido por José Ramón Encinar. En el podemos escuchar el emotivo y sentimental Coro "a bocca chiusa" (a boca cerrada), que evoca la serenidad tensa y expectante de la ilusión de la protagonista, Cio Cio San (Butterfly), transformada en resignación. Es una melodía de efecto maravilloso en la que se despliega la finura del sabroso lenguaje musical del compositor de Lucca.

Harmonías del Cielo y de la Tierra

2011-02-16T12:00:00.006+01:00

Joscelyn Godwin, profesor de música de la Colgate University, nos habla en su libro Harmonías del Cielo y de la Tierra sobre la dimensión espiritual de la música desde la antigüedad hasta la vanguardia. Esta reflexión sobre los efectos de música y su relación con el mito, el ocultismo y el arte, repleta de numerosos ejemplos procedentes de épocas y tradiciones variadísimas (Grecia, la tradición cristiana, la mitología germánica, la ciencia renacentista...), es imprescindible para los que saben que la música no es un simple pasatiempo o adorno, para los que buscan otro modo de percibir la música clásica, indisoluble de la espiritualidad.

Editado en España por Paidós, con traducción de Radamés Molina y César Mora, su sumario con sus sugerentes títulos, hacen la boca agua de cuantos amamos la filosofía de la música. Os lo adelanto para que no podáis resistir la tentación de correr a encargarlo a vuestro librero de cabecera:

Sumario

Prólogo y reconocimientos

Primera parte
Ascendiendo al Parnaso

I. Los maravillosos efectos de la música
II. Escuchando las harmonías secretas

Segunda parte
La gran obra

III. La alquimia musical
IV. La música y el flujo del tiempo

Bibliografía de obras citadas

o O o

Para haceros rabiar, os adelanto los primeros párrafos del primer capítulo:

Anfión y Zeto, hijos gemelos de Zeus y Antíope, fueron criados en secreto, como otros muchos héroes, para eludir las fuerzas malignas que buscaban destruirlos en su infancia. Mientras crecían entre pastores en el monte Citerón, Anfión fue favorecido por Hermes que le regaló una lira. Zeto, el más práctico de los dos, se mofaba de la devoción que su hermano sentía por el instrumento y que le impedía dedicarse a cualquier cosa útil. Pero luego, cuando los gemelos habían conquistado Tebas y se ocupaban de fortificar la ciudad, le tocó reír a Anfión. La música de la lira hacía que las piedras se deslizaran sin esfuerzo hacia su sitio mientras Zeto se afanaba en levantarlas con sus propias fuerzas. Así fue como las murallas de la Tebas de las Siete Puertas fueron erigidas gracias al poder de la música.

El mito de Anfión ha sido siempre uno de los favoritos entre quienes escriben sobre el poder extraordinario de la música. Junto con Orfeo, ablandando el corazón de Plutón con su canto y Arión, llamando a su delfín salvado, Anfión completa la trinidad mitológica de figuras que aparecen como espíritus tutelares en los encabezamientos de muchos tratados antiguos. En tiempos antiguos sus historias se contaban sin necesidad de ser comentadas. Más tarde se hicieron intentos de encontrar explicaciones psicológicas o simbólicas para estos hechos en apariencia increíbles. En la actualidad tan vez ha llegado el momento de verlos bajo una nueva luz: pues las opiniones comúnmente mantenidas sobre la música, por no hablar ya de las piedras, necesitan ser revisadas.

Quien descarta este o aquel mito como locura o ficción no merece ser llamado intérprete. Incluso un materialista ha de esforzarse en encontrar un sentido adecuado a la reverencia que siempre se le ha profesado a los mitos; un núcleo de verdad que justifica su repetición durante miles de años y que no se puede sostener en la mera ficción. Posiblemente la mejor manera en que un racionalista puede encarar el mito de Anfión es considerarlo como una reminiscencia tradicional de ese período ciclópeo que nos ha dejado enormes monumentos de piedra a lo largo de todo el Mediterráneo oriental. Anfión, pues, pudo haber sido algún ingeniero prehistóric en posesión del conocimiento matemático que subyace a toda la música antigua y que es uno de los regalos legendarios que Hermes hizo a la humanidad. Alguien así debía conocer técnicas y cálculos que hacían factible el movimiento de las piedras (mientras que los estratos, contrapesos y ajustes de los planos inclinados habrían seguido siendo un misterio para sus trabajadores y espectadores), merecedoras del nombre de "magia natural", que es como se conocería a la tecnología hasta la época moderna. Y si este arcaico ingeniero también conocía el valioso efecto que los movimientos rítmicos y las canciones de trabajo podían tener sobre un grupo de obreros el cuadro se completa: Anfión no entonaba encantamientos sino cánticos...

Alejandro Villatoro Santiago

2011-02-15T16:43:00.003+01:00

Mi maestro Don Joaquín Villatoro tenía un hijo, también músico, al que la vida martirizó con una enfermedad mental. A pesar de su problema, que llevaba con gran sentido del humor de cara al exterior pero yo se que con gran melancolía interna, Alejandro (Alexis para los amigos) dejó una gran cantidad de amigos en Jerez de la Frontera, ciudad en la que vivió cerca de veinte años. Aún lo recuerdo con sus andares característicos y su risa peculiar. Miles de anécdotas inundan mi memoria, miles de momentos en los que me contaba su "último pensamiento filosófico", que acababa con la risotada de rigor.

A principios de los 80, jubilado su padre, marchó con él a vivir a Madrid y quiso la casualidad (¿existe la casualidad?) que, unos meses antes de su fallecimiento, concretamente en agosto de 1988, me lo encontrase en una tienda de música del centro de la capital y pasásemos una tarde inolvidable, contándonos miles de cosas. Un mes después, mi amigo Julio Lozano, en viaje a Madrid, también se lo encuentra (¿de casualidad?) y pasa otra tarde inolvidable con él. Meses después, en febrero de 1989, ambos nos enteramos que una meningitis se lleva por delante a Alexis (muchos también llegaron a conocerlo por el sobrenombre de Sasha) y ambos, en conversación, coincidimos en que los encuentros (¿casuales?) con nuestro amigo fueron en realidad una despedida que él, ser excesivamente elevado, estaba preparando antes de marchar al infinito.

Hace poco busqué una elegía que escribí unos días después de enterarme de la ida de tan gran amigo en aquel febrero de 1989 y hoy reproduzco aquí, por primera vez:

Llanto por la muerte de Alexis Villatoro

Prosas poéticas elegíacas

Febrero de 1989

Cuando un músico muere, un trozo de felicidad se despega de nuestro lado para elevarse al infinito de lo puramente perfecto, de lo celestial; un trozo de felicidad nos abandona para integrarse en lo místico de lo divino; un trozo de felicidad se desprende de la ignorancia terrenal para desintegrarse en lo verdadero, para acompasarse en esa gran maravilla rítmica que es El Universo.

Cuando un músico muere, un océano de melancolía baña nuestro sentimiento con aguas de soledad; un océano de melancolía rompe sus espumas en la playa del desconsuelo; un océano de melancolía inunda la costa de nuestra inspiración más íntima, asolándola, desgarrándola de nuestras entrañas huérfanas.

Cuando un músico muere, una esperanza frustrada agoniza en nuestro deseo inútil de placer artísticointelectual, casi imposible en tan yermo país; una esperanza frustrada se rebela en nuestro interior patetizando nuestra existencia; una esperanza frustrada se confraterniza con la incomprensión de la plebe que, despreciando ingratamente al intelecto de que ha sido dotada, prefiere la irracionalidad de los demás miembros de la zoología, por canalla pereza mental.

Cuando un músico muere, un discurso taciturno penetra en los sordos oídos de los regidores de nuestros destinos telúricos, para enrevesarse en las telas de araña que suplen las carencias de inquietudes en sus carcomidas almas; un discurso taciturno vaga marginado por todos los rincones de un poblado (de casi cuarenta millones de habitantes) que dormita desde que, hace quinientos años, un somnífero imperial inutilizara (sobre todo en el sur) la riquísima savia erudita que por él circulaba; un discurso taciturno, rauco de pregonar inútilmente, se desvanece en el caos.

Cuando un músico muere y además de músico ha sido siista [1], el optimismo queda viudo de su bella Afirmación y la vida naufraga en la zozobra y en la catástrofe; cuando un músico muere y además de músico ha sido un amigo, el espíritu se agita desesperado en su celda corpórea y demandante de tentaciones; cuando un músico muere y además de músico ha sido Alexis Villatoro, muere también el siismo, tiembla el pacifismo y la bondad se congestiona; la cordura se separa de la extravagancia; la luz y la tiniebla se interrogan sobre su propia veracidad y, la razón, desde su trono ficticio, se cabaliza sobre su propio existencialismo.

[1] El siismo es un movimiento filosófico creado por Alexis Villatoro, que consiste en eliminar todo lo negativo de la vida, para convivir con lo positivo. (N. del A.)

Richard Wagner y el número 13

2011-02-14T21:12:00.002+01:00

El compositor Richard Wagner nació en 1813. Su nombre y su apellido tienen 13 letras. Escribió 13 óperas completas, si tenemos en cuenta que no llegó a acabar la que pudo haber sido la primera, Die Hochzeit (La boda), cuya composición fue abandonada cuando su hermana Rosalie Wagner, cuyo nombre y apellido suman 13 letras igualmente, le expresó su desagrado con la historia y Wagner acabó destruyendo el libreto. Los números de su año de nacimiento, 1+8+1+3, suman 13. Encontró su vocación musical un 13 de octubre. Sufrió 13 años de destierro. Terminó Tannhauser un 13 de abril y dejó de ser tocada el 13 de marzo de 1845, tras su fracaso en París, siendo repuesta posteriormente el 13 de mayo de 1895. El teatro de Riga (allí se presentó como director de orquesta) se inauguró un 13 de septiembre. La casa donde se llevaban a cabo sus festivales en Bayreuth fue abierta un 13 de agosto y el último día que pasó en ella fue un 13 de septiembre. Wagner murió el 13 de febrero de 1883, decimotercer año de la unificación de Alemania.

Para equilibrar este artículo, he decidido buscar una imagen de Wagner y me he decidido, entre todas las que el buscador de internet me ha localizado, por la número 13. Remato el asunto insertando el fragmento número 13 de la ópera nº 13, Parsifal, de una producción de su nieto Wolfgang Wagner en Bayreuth (menos mal que su nombre no suma 13...). Quise haber insertado este artículo ayer, día 13, pero ya iba a ser demasiado 13 el asunto.

Por cierto, ¿será casualidad que la familia Wagner, famosa por su cabezonería en todos sus aspectos, siempre esté en sus trece?

24 años sin Joaquín Villatoro

2011-02-08T14:34:00.005+01:00

Joaquín Villatoro dibujado por Cristóbal Toledo

Hoy se cumplen 24 años del fallecimiento de mi primer Maestro.

Precisamente comencé este blog escribiendo un artículo sobre él hace dos años, el 28 de enero de 2009, artículo que podéis consultar. A finales de este año se cumplirá el centenario de su nacimiento; os prometo que de vez en cuando iré dejando algún que otro recuerdo de quién tanto me enseñó. Hoy, os adelanto una pequeña biografía publicada por el Ateneo de Córdoba:

El músico Joaquín Villatoro Medina nace en Castro del Río el 31 de diciembre de 1911 y fallece en Madrid el 8 de febrero de 1987. A los trece años inicia sus estudios musicales en Castro del Río con el director de la banda municipal Emilio Díaz y con el gran melómano Francisco Luque Algaba.
El Ayuntamiento, a través del alcalde Juan Fuentes, le facilita el ingreso en el Conservatorio de Córdoba, donde realiza brillantemente todos los cursos. La Diputación Provincial cordobesa lo beca para continuar su formación en el Conservatorio de Madrid, consiguiendo el premio extraordinario de harmonía. En la capital de España recibe las enseñanzas de Pedro Fontanilla, Conrado del Campo, Oscar Esplá y Eduardo Torner. En 1931 se traslada a París, asimismo becado por la Diputación, y amplía los estudios de composición y piano con Paul Dukas y Alfred Cortot.
Por circunstancias políticas la carrera profesional del maestro Villatoro sufre obstáculos, y en 1956 consigue ingresar mediante oposición en el Cuerpo de Directores de Bandas Civiles. El ilustre músico castreño desarrolla su actividad en Pozoblanco y Manzanares, trasladándose en 1962 a Jerez de la Frontera. En esta ciudad, a lo largo de dieciocho años, realiza una gran labor hasta su jubilación en 1980.
Su tarea creativa se plasma en numerosas composiciones, entre las que cabe destacar algunos títulos como Jerez: canto al vino y al trabajo y Canto a Córdoba. En la ciudad jerezana Joaquín Villatoro tiene una influencia decisiva en la puesta en marcha del Conservatorio de Música y al frente de la orquesta, banda y orfeón da miles de conciertos. A finales de 1992 sus restos fueron trasladados el cementerio de su pueblo natal.

An die Freude (A la Voluptuosidad)

2011-02-06T12:44:00.005+01:00

Mario Roso de Luna, el Sabio de Logrosán, llegó a mis estanterías en los años finales de mi séptimo ciclo evolutivo. Mi amigo Manolo Ramos, entonces mi "librero de cabecera", puso en mis manos un libro suyo, agotado, que poco después pude conseguir buceando entre librerías anticuarias: Wagner, mitólogo y ocultista. Uno de sus geniales capítulos está dedicado al "Filósofo de las harmónicas sonoridades, fervoroso cultivador de las tradiciones arcaicas, espíritu totalmente posesionado del idealismo platónico", que diría J. F. Carbonell (Natura, revista de Montevideo, Mayo de 1912), al Gran Sacerdote que dejó preparado el camino iniciático que hizo posible que el coloso de Bayreuth nos dejara entreabierto el Velo de Isis. El citado capítulo lleva como título Beethoven Teósofo.

Como estudioso de la Novena Sinfonía, llevo años recopilando todo tipo de datos sobre ella y tratando de descubrir sus muchos secretos ocultos. Al leer a Roso de Luna, me entusiasmó, entre otras muchas revelaciones, la traducción que proponía del poema de Schiller, An Die Freude, musicado por el Rey del Silencio de Bonn: A la Voluptuosidad...

Pero dejemos que sea Don Mario quien nos lo desvele más tarde. Antes, os recomiendo oír atentamente el podcast de Radio Clásica, de Radio Nacional de España que aquí inserto y que, dentro del programa Música y Significado, dirigido por el harmonista Luis Ángel de Benito, pudo ser oído el pasado 2 de enero de 2011. Una vez oído, comparad la traducción tradicional que escucharéis por encima de la música, con la que propone el erudito logrosano, insertada como colofón de este artículo.

Música y significado - La Novena de Beethoven - 02/01/11

Extracto del capítulo Beethoven Teósofo de la obra

Wagner, mitólogo y ocultista de Mario Roso de Luna

...Y llegamos así, de sublimidad en sublimidad, a la incomparable Novena Sinfonía, cuyo juicio resumió Wagner con estas solas palabras: «Somos tan ingenuos que continuamos escribiendo Sinfonías, sin darnos cuenta de que la última hace tiempo que fue escrita». Sin el precedente, en efecto, de día, de la Misa en Re y de los últimos cuartetos; las más colosales obras de Wagner, tales como el Parsifal y la Tetralogía, acaso no habrían llegado a ser lo que por ellos fueron. De la composición de aquella, al decir de los biógrafos, salió Beethoven como transfigurado y rejuvenecido: ¡había bebido en la copa de los dioses el sagrado licor del Soma, que da la inmortalidad y derecho a un puesto en el «Banquete» de los héroes de la Walhalla!.....

Es de interés para el propósito fundamental de este libro el que se nos permita detenernos un momento acerca de la génesis literario-musical de la última Sinfonía beethoveniana.

Ya dijimos en el capítulo anterior al hablar de Weber y de la literatura romántica (El Autor se refiere a otro capítulo de su obra El Drama lírico de Wagner y los Misterios de la Antigüedad. N. del E.) que Federico Schiller, el Goethe de los humildes, de los atormentados, el precursor de Heine, había ejercido siempre con sus misteriosas poesías dulces, gran influencia en la mente de Beethoven. «Quien, después de haber oído una de las sinfonías de éste, lee las cartas de Schiller sobre la educación estética, dice Lickefett, reconocerá que el idealismo alemán jamás tomó tan alto y temerario vuelo como en aquellas obras». (Lickefett “El Teatro de Schiller”, tesis doctoral).

El músico supo enlazar con el poeta, su destino y del consorcio de dos artes tan supremas ha surgido El Himno de la Humanidad, que es como siempre debería llamarse la letra y la música de la Novena Sinfonía. Pero hay mucho que anotar respecto de ella que aún no se ha dicho, preocupados los escritores y el público sólo por la sublimidad de la partitura.

«En 1784, añade Lickefett, entabló Schiller estrecha amistad con cuatro admiradores suyos: Koerner, padre del que luego fue célebre bardo de la guerra de la independencia; Huber y sus dos compañeras las hermanas Stock, residentes en Leipzig, y aceptando su hospitalidad generosa, abandonó el poeta para siempre a Manhein, pueblo donde le amargaron la vida multitud de contrariedades y apremios pecuniarios, como luego a Wagner. A los pocos días se hallaba ya Schiller en el mejor de los mundos, al lado de sus nuevos amigos, en medio de la más santa y franca de las intimidades que pueden hacer que el hombre bendiga a la Humanidad de que forma ínfima parte, en lugar de maldecirla. La generosidad y amor de aquellos hombres, en efecto, alejaron del poeta los bajos cuidados todos de la existencia, dejándole vivir en el puro cielo de su excelso espíritu durante aquellos los más tranquilos años de su vida, cual no los había experimentado el infeliz ni aún en su propia infancia. Este calor fraternal, esta amistad santa, esta disposición de ánimo hacia cuanto hay de verdaderamente humano y no animal en el hombre, inspiraron, pues, al noble Schiller las estrofas inmortales de su himno «A la alegría» (An die Freude), himno cuyo verdadero título es «A la Voluptuosidad» en el más purísimo, trascendente y originario sentido de la palabra: no en el degradado que tiempos posteriores la diesen.

No es indiferente este serio asunto: Voluptuosidad en lengua latina es más que alegría ordinaria, pues que es alegría trascendente y pura, voluptuosidad en lengua romance es algo bajo, casi obsceno... La primera es alimento de los dioses y de los grandes místicos, pues que equivale a éxtasis, amor trascendente, deliquio divino; la segunda es indigna hasta de los hombres..... pues conviene no olvidar nunca, tratándose de asuntos elevados, que en todas cuantas palabras de las lenguas neolatinas se hace referencia a los incomprendidos conceptos filosóficos de la antigüedad sabia, ha sido vuelto sencillamente del revés su primitivo significado, para hacer verdadero aquel profundo aserto hermético de Blavatsky de que «los dioses de nuestros padres son nuestros demonios». Es decir que respecto a tales palabras, si bien se ha conservado el cuerpo, o sea la forma, háse perdido del modo más lastimoso el espíritu. Por eso todas las palabras neolatinas de dicha índole filosófica, como hijas que son de una lengua sabia perdida, cuyo espíritu se perdió también, son meros cadáveres y como tales cadáveres han de ser consideradas y reconstituidas en su significado original por el verdadero filósofo. Tal sucede con la palabra «voluptuosidad», «voluptuoso», y sus afines. (Consular Nota al pie)

Con aquella primitiva significación trascendente tomada, la sublime oda de Schiller «An die Freude», «A la Voluptuosidad de dioses» el supuesto canto anodino de «a la alegría», adquiere desconocido vigor y un relieve excelso, cual sucede siempre cuando a los buenos aceros damasquinos se los limpia de la herrumbre de los siglos, porque aquella composición del mejor de los líricos alemanes parece un himno arrancado a los Vedas o a los Eddas sagrados, no siendo ya de extrañar, por tanto, el que Beethoven la tomase por tema de inspiración musical para la más ciclópea de sus obras, donde por vez primera en la historia del arte se hace elemento sinfónico a la voz humana, como prólogo verdad del moderno drama lírico wagneriano. Séanos, pues, permitido el glosar la divina oda, oda del éxtasis más legítimo, el éxtasis único del Amor a la Humanidad, así, con mayúsculas.

- «Oh voluptuosidad, la más bella refulgencia divina, hija del Elíseo. Ebrios de emoción osamos penetrar en tu santuario cantando: - Tu mágico efluvio anuda los santos lazos que el trato social, despiadado y cruel, osara romper un día... ¡Todos los hombres son hermanos; todos son UNO bajo tu égida protectora!».

Y el coro contesta:

- ¡Miríadas de miríadas de seres que pobláis el mundo y pobláis sin duda los Cielos sin limites: facetas innúmeras de un solo, único e inconmensurable Logos, yo os estrecho contra mi corazón!... ¡Un inmenso abrazo para el Universo entero!: ¡Hermanos, hermanos míos, alegraos, todo se une y todo conspira al Santo Misterio, y aquí en nuestro ser y allá y doquiera tras la bóveda estrellada un Padre-Madre amante nos cobija a todos!.. ¡Qué todo cuanto pulula en el ámbito de la Tierra y del Espacio rinda su homenaje a la simpatía del gran misterio teleológico!... ¡Ella, en progreso sin fin, nos eleva hacia los astros PER ADSPERA AD ASTRA, donde existen sin duda mundos más excelsos!». . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

Como Krishna, como Buddha, como Jesús, como la misma Revolución francesa, Schiller y Beethoven, unidos por el divino lazo de un arte sin fronteras, no han enarbolado otra bandera que la del dogma humano único: ¡LA FRATERNIDAD UNIVERSAL!.

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NOTA AL PIE
Cualquier diccionario de las lenguas neolatinas, viene a decir así: «Voluptuoso, voluptuosa, adjetivo equivalente a muelle, blando, afeminado, sensual, libidinoso, lascivo, etc. Dícese de la persona dada a los deleites carnales, y se extiende a todo aquello que inclina y provoca a ellos, o los fomenta. Lo lúbrico, obsceno, impuro, torpe». «Voluptuosidad, sustantivo femenino. Cualidad, condición o naturaleza de lo voluptuoso. Molicie, afeminación, corrupción de costumbres, libidinosidad, sensualidad. En mitología es una divinidad alegórica que se representa bajo la figura de una mujer joven, hermosa y desnuda, coronada de flores y teniendo en la mano una copa de oro en la que bebe una serpiente. Otros la pintan tendida en un lecho de flores, ardiente el rostro, lascivo el mirar y asiendo un globo de cristal con alas o un caduceo». . .

En una palabra, el prototipo del mal, la bajeza y el vicio. . . Tal es la medalla neo-latina.

Veamos ahora el reverso en los clásicos, es decir su nobilísimo significado prístino.

«Voluptas, voluptatis, femenino. Volutta, placere, wollust, wolgefalen, volupté, plaisir, deleite, . . . . . . . . . . . . laetitia, praeter modum elata ex opinione presentís alícujus boni; omne id quo gaudemus. Dicitur tan de animo quam de corpore; tum de bona voluptate, tum de mala. Omne id, quo gaudemus, voluptas est ut omne quo offendimur dolor (Cicerón 2. Fin c. 37), Voluptatis verbo omnes qui Latine sciunt, duas res subjiciunt, laetitiam in animo, commotionem suaven jocunditatis in corpore (ib. 1. 2, c. 4). Divinus Plato escam malorum voluptatem appelat, quod ea vide licet homines capiantur, ut hamo pisces (ib. I. de Sen. c. 13)», etc. (Calepinus, septen linguarum).
El contraste, como se ve, es absoluto. Voluptas, en su etimología sabia, significa exactamente lo contrario que en lenguas neo latinas, viciadas en su origen gracias a un sentimiento religioso respetable sin duda, cuando es sincero, pero incapaz por su propia esencia de abarcar todo el fondo de la sublime profundidad pagana antes de los días de su degradación. Por eso en su acepción prístina, se la personifica como una diosa casta y pura, nacida del ósculo, divino del alma humana con su Ego-Superior, chispa de la gran Llama de la Divinidad o Logos. En tal sentido, único verdadero, equivale a emoción trascendente más que a alegría sencilla; a elevación superhumana del alma; deleite divino, epopteia, éxtasis, amor suprasensible y místico, «compenetración íntima con la Divinidad que late en nosotros», que diría Schopenhauer; la toma de puesto, que Platón diría, en el magno banquete de los dioses; el estado de transfiguración de Jesús en el Tabor, estado que tantas veces presintiera Santa Teresa y del que el gran Plotino disfrutara sólo seis veces en su vida.
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Credo artístico de Richard Wagner

2011-02-05T15:12:00.003+01:00

Richard Wagner, además de su monumental obra musical, nos dejó diversos escritos entre los que destaca su famoso Credo artístico de su autobiografía Un músico alemán en París. Dice así:

Creo en Dios Padre, en Mozart y en Beethoven, así como en sus discípulos y en sus apóstoles.

Creo en el Espíritu Santo y en la verdad del Arte uno e indivisible.

Creo que este Arte procede de Dios y vive en el corazón de todos los hombres iluminados por el Cielo.

Creo que quien ha paladeado una sola vez sus sublimes dulzuras se convierte a él y jamás será un renegado.

Creo que todos pueden alcanzar la felicidad por medio de él.

Creo que, en el juicio final, serán afrentosamente condenados todos los que, en esta tierra, se hayan atrevido a comerciar con este Arte sublime, al cual deshonran por maldad de corazón y grosera sensualidad.

Creo, por el contrario, que sus fieles discípulos serán glorificados en una esencia celeste, radiante, con el brillo de todos los soles, en medio de los perfumes y los acordes más perfectos, y que estarán reunidos, por toda la eternidad, en la divina fuente de toda harmonía.

¡Ojalá me sea otorgada tal gracia!

Amén.

Memorias de John Barry

2011-01-31T12:14:00.002+01:00

Memorias de África es una película de los años 80, cuya banda sonora no deja de sonar. Su título en español, inspira el título de este artículo en el que voy a despedir a un músico británico, que no ha querido ser menos en este final de enero repleto de necrologías: John Barry.

Nacido en York, el 3 de noviembre de 1933, este escorpiano bebe de las harmonías del Jazz para crear sus primeras composiciones. Trabajando con su propio grupo, The John Barry Seven, conoce al compositor Adam Faith con el que empieza a componer canciones y piezas para varias películas. Sus primeros éxitos captan la atención de los productores del filme Dr. No y Barry acaba componiendo la banda sonora que sería germen del famoso tema de James Bond, resultado de diversos arreglos del tema principal de la citada película.

En el mundo de la creación musical, Barry es muy conocido por poseer un estilo en el que usa de manera muy extensiva los instrumentos de Viento Metal y por tratar a las Cuerdas exóticamente, además de por sus innovaciones al ser uno de los primeros en usar sintetizadores en una partitura fílmica: On Her Majesty's Secret Service.

A pesar de haber compuesto también música para la TV y ser autor de muchas otras composiciones, musicales incluidos, siempre será recordado por sus bandas sonoras, habiendo sido siete veces candidato a los Óscars, ganando cinco de ellos: Nacida libre (1966), mejor Banda Sonora y mejor Canción; El león en invierno (1968); Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990).

Ayer, 30 de enero de 2011, John Barry murió de un ataque al corazón.

Os dejo con un vídeo homenaje a la Banda Sonora de Memorias de África.

Carta natal de Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart

2011-01-27T00:01:00.005+01:00

Así estaba el cielo de Salzburgo el 27 de enero de 1756, justo en el instante en que nacía Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, el Amado de los Dioses, el Gran Mago, el Hijo de la Luz, el Hermano del Fuego, el Amado de Isis...

Los que sepáis interpretar su carta natal, podéis empezar ya a disfrutar; los que no, usad la intuición y recordad que la Física, es imposible sin la Metafísica; la Química, sin la Alquimia está incompleta y la Astronomía, no puede funcionar si se olvida que es inseparable de la Astrología...

Una pista: buscar, oír y estudiar todas las obras mozartianas que contengan, como tonalidad principal o como tonalidades de movimientos internos, Sib mayor y su dominante Fa mayor, pero no olvidéis que las mayores profundidades las vais a encontrar en Sol menor y Re menor...

Quien tenga oídos, oiga; quien pueda comprender, comprenda...

Mozart, Gran Mago, Hijo de la Luz, Hermano del Fuego y Amado de Isis

2011-01-26T10:57:00.010+01:00

Desde que Christian Jacq comenzó a escribir con trece años, Mozart ya estaba presente en su vida; a la vez que descubría la civilización del antiguo Egipto, escuchaba su música sin sospechar hasta que punto ambas estaban vinculadas.

Este año, que celebramos el 255 aniversario del nacimiento de este compositor sagrado, os recomiendo la lectura de cuatro historias noveladas del citado egiptólogo, editadas por Planeta (también están ya en el mercado las ediciones de bolsillo). Estas son:

I. MOZART, el Gran Mago

Thamos, Conde de Tebas, es el último guardián de un secreto eterno. Viaja desde Egipto para encontrar al Gran Mago, aquel cuya obra protegerá del caos a la humanidad. Desde el primer día que lo oye tocar, este gran príncipe oriental no tiene dudas: el Gran Mago es Mozart...

II. MOZART, el Hijo de la Luz

Joven y rebelde, Mozart no para de componer. Su amor a la libertad lo enemista con el arzobispo de Salzburgo, que no entiende otra cosa que no sea obediencia. Decide el músico instalarse en Viena, donde encuentra a la mujer de su vida y donde se convierte, con veintiocho años, en aprendiz de masón. La Luz está en él...

III. MOZART, el Hermano de Fuego

Zambullido en los ritos masónicos, se inspira en ellos para componer dos de sus más prestigiosas óperas: Las Bodas de Fígaro y Don Giovanni. La felicidad conyugal y los encargos que no paran de llegar, se ven sin embargo ensombrecidos de una parte por del poder, que teme la influencia de las logias, y de otra parte por los envidiosos, que se empeñan en impedir el éxito de sus continuos estrenos.
El Fuego comienza a arder...

IV. MOZART, el Amado de Isis

Ensombrecida su vida y su estabilidad económica, Mozart lucha contra los improperios y busca fuerzas para culminar una gran obra fiel a sus ideales, La Flauta Mágica, en la que transmite con demasiada claridad los misterios de Isis y Osiris. Pero sus enemigos no cesan en su empeño de destruirlo y, desde el poder político hasta los envidiosos, una larga lista de sujetos podría estar involucrada en una muerte demasiado temprana, rodeada de misterios...

Requiem æternam dona eis...

Esta semana cumple 255 años Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart

2011-01-25T17:20:00.005+01:00

Más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, este amado de los dioses estuvo muy pocos años entre mortales, pero su vida fue tan intensa, que nos dejó más de seiscientas obras compuestas y muchos misterios sin resolver, incluido el de su propia muerte.

Sobre su vida y sobre su obra se han escrito miles de libros y se han investigado cientos de hipótesis sobre los más variados supuestos; en los últimos veinte años, verbigracia, se ha puesto de moda una expresión, Mozart effect (efecto Mozart), que no ha dejado indiferentes a partidarios y detractores a la hora de evaluar si la audición de sus geniales composiciones, hace más inteligente a quien la disfruta. La comunidad científica está dividida al respecto, pero eso nos interesa muy poco a los que sabemos que detrás del velo hay mucho más...

Os dejo con un documental sobre el tema y, sobre todo, os deseo que lo disfrutéis desprendidos de todo tipo de prejuicios.

Feliz cumpleaños Amadeus...

Movilizaciones a favor de la Orquesta Joven de Andalucía (OJA)

2011-01-16T14:46:00.002+01:00

LA BARBARIE DE UN PUEBLO PUEDE CONOCERSE POR EL DESPRECIO QUE HACE DE SU MÚSICA

Así se expresaba un tal Blanquet, en el Siglo XVII.

El pueblo andaluz tiene la oportunidad de demostrar su cultura, si es capaz de botar en vez de votar a aquellos salvajes que, desde las instituciones de la indecencia y la mentira, tienen en la cuerda floja a una orquesta vital para la formación de futuros profesionales de la música andaluces: la Orquesta Joven de Andalucía (OJA) y su Coro (JCA), están en peligro de desaparición y, para intentar evitarlo, se ha organizado en Sevilla y en todas las capitales andaluzas, una movilización sonora, para el día 20 de febrero. Todos los músicos andaluces y todos los seres sensibles a la imprescindible necesidad de la música como alimento principal del alma humana, están obligados a ayudar de la forma que puedan para hacer llegar, a los sordos oídos de nuestros inútiles gobernantes, la más enérgica protesta en forma de sonata.

Os inserto un vídeo del último encuentro de estas necesarias agrupaciones, tras el cual todo fueron lágrimas ante la incertidumbre del futuro. Hoy, Michael Thomas, su director, está cesado; los presupuestos han sido mermados y el terrorismo gubernamental, siempre al lado del diablo, sigue su curso destructivo.

¡No lo permitamos! ¡Montemos en Rocinante sin oír los gritos de Sancho, galopemos hacia los gigantes disfrazados de molinos y destruyámolos!

Ariel Ramírez, un músico argentino para la eternidad.

2011-01-03T16:32:00.007+01:00

El pasado 18 de febrero, nos dejaba terrenalmente Ariel Ramírez. Nacido en Santa Fé (Argentina) en 1921, este compositor especialmente conocido por sus composiciones inspiradas en los ritmos propios de su tierra, supo combinar de manera única elementos populares y espirituales, consiguiendo ser venerado por los públicos más sencillos a la vez que por los más exigentes.

Pianista sabroso, sus actuaciones, salpicadas de bellísimos brotes de improvisación, llegaban a todos los corazones, quedándose en ellos incrustadas de manera permanente.

Hoy, en la recta final de las celebraciones navideñas, no os voy a invitar a escuchar obras suyas que seguramente habréis oído en mil versiones, como la sacramente excitante Misa Criolla o la hermosamente atribulada Alfonsina y el mar; hoy, en la recta final de los festejos nativídicos (sic), os induzco a disfrutar del siguiente vídeo, en el que el tenor José Cura junto a Los Calchakis y el coro Wiener Singakademie interpretan su apetitosa suite Navidad Nuestra, sobre poemas de Félix Luna.

Consejos de Schumann a los jóvenes músicos

2010-09-24T18:30:00.006+02:00

Considero necesario, en estos tiempos tan materialistas, tan comerciales, en los que vivimos, comentar un extracto de los consejos a los jóvenes músicos, escritos por el compositor alemán Robert Schumann (1810-1856) para que sirviesen de prefacio a su Álbum para la Juventud.

Los dedico especialmente a mis alumnos, nadando contracorriente en el río de los resultados rápidos, para que tomen conciencia, sobre todo, de las últimas palabras que van a leer en este artículo; tened paciencia y leerlas sólo cuando les toque su turno, no seáis como aquellos que a los pocos meses de estudio, ya quieren dedicarse, profesionalmente, a una actividad que, como nos dejó dicho Beethoven, es más elevada que toda filosofía, que toda religión.

Schumann empieza su lista de consejos sugiriéndonos que eduquemos nuestro oído; poco después, nos habla de la importancia que tiene cantar en coro.

Pensemos en estas palabras, escritas a mediados del siglo XIX, cuando aún hoy, casi doscientos años después, quedan ignorantes que en demasiados casos son hasta profesores de música, que opinan que se tiene oído o no hay nada que hacer; el oído se educa y Schumann ya lo sabía, como lo sabemos los pedagogos musicales que hemos ido comprobando cómo muchas personas, desahuciadas por su "mal oído", a través del trabajo y los años de paciencia llegan a cultivarlo y así poderlo disfrutar.

Por otra parte, cantar en coro es imprescindible para que una sociedad funcione adecuadamente; conlleva esta actividad una disciplina superior que es la mejor vitamina para derribar las barreras de la vida. Mucho queda aún que lograr en nuestro país, España, para llegar a la altura de otros pueblos repletos de cantores, que incluso pagan una cuota por tener el privilegio de pertenecer a una agrupación coral. Me da mucha pena que aquí, cuando algún "sabio" apenas ha aprendido a descifrar dos o tres notas en clave de sol, ya esté pensando en cobrar, o en montar un negocio relacionado con la música (¡hay quien incluso comete el sacrilegio de llamar clientes a quienes solicitan servicios musicales! Señor, perdónalos, no saben lo que hacen, o, mejor, ¡no los perdones!); desgraciadamente nuestros coros no están libres de quejumbrosos aficionadillos, incapaces de reconocer lo afortunados que son al tener la oportunidad de poder cantar a varias voces las obras de los Grandes Músicos-Poetas.

Cambiando de tercio, varios de los consejos Schumanntianos se refieren a la formación escolástica del joven músico, pidiéndole que un objetivo a conseguir sea poder comprender una partitura por su lectura antes de tocarla. Son pocos los que estudian a fondo el solfeo y son pocos los que acaban logrando este objetivo, más aún en nuestra vida moderna y, sobre todo, en nuestro festero país, en el que se pierde demasiado el tiempo en cosas banales.

A la lectura de la música, sigue la comprensión de las leyes fundamentales de la harmonía, imprescindibles no sólo para poder componer, sino para comprender, como decía Schopenhauer, el funcionamiento del Universo. ¡Cuánto trabajo se ahorrarían los científicos si supiesen harmonía!...

También recomendaba escuchar las canciones características de cada pueblo, seña de identidad inigualable, junto al estudio de los buenos maestros, que son los que proporcionan una nutrición espiritual tan útil como sencilla.

Encarecidamente pedía que se ignorasen las malas composiciones (Dios mío, si supiera cuanta basura nos rodea hoy, por culpa de la indecencia comercial), que ni se tocasen, ni se oyesen.

Importantes sus consejos relacionados con el respeto a lo antiguo, con el interés por lo nuevo y con el hecho de no tener prejuicios contra los hombres que aún no son renombrados. No debemos olvidar que la fama no es sinónimo de calidad, de ahí su sugerencia a familiarizarnos antes con las partituras que con los virtuosos.

Robert era partidario de respetar las obras tal y como han sido escritas por sus autores. ¿Qué diría si hoy asistiera a esos teatros en los que nos presentan óperas repletas de cortes y de arreglos, con los diálogos tergiversados y los argumentos cambiados?

En bastantes momentos, habla del esfuerzo, a la vez que pide modestia. Invita al esfuerzo sin dejarse seducir por la melodía facilona, diciendo que melodía no quiere decir precisamente un motivo agradable, rítmico y fácil de recordar, pues, con frecuencia, las melodías así son monótonas y cansan pronto, pero también advierte que es preferible interpretar con expresión las obras fáciles que ejecutar medianamente las difíciles.

La modestia tiene para él vital importancia que se deduce cuando leemos que hay que amar el instrumento al que uno se dedica, pero sin considerarlo superior a cualquier otro y, que todo cuanto uno pueda pensar o descubrir ya habrá sido pensado o descubierto por otros.

Un punto que siempre he divinizado es el que se refiere a no dejarse llevar por la vanidad de los aplausos, pues valen más los elogios de un artista verdadero que todos los de una multitud. Que importancia tienen estas palabras hoy para que meditemos sobre la demoníaca invitación a la igualdad, a la mediocridad, que desde los poderes democráticos nos intentan insertar.

Personalmente, considero a la democracia como la principal enemiga de la verdad, del arte, de la espiritualidad, de Sócrates, de Jesús... El populacho pide la crucifixión de quién nos invita a pensar por nosotros mismos, a la vez que pide la liberación de Barrabás... El populacho llena estadios para vitorear a falsos héroes mientras desprecia a quienes llevan una vida de estudio y evolución (no de revolución, que esta última es antinatural y sangrienta); creedme, es fascinante dirigir una orquesta sin público (sin aplausos) o en un lugar sagrado, como una iglesia, donde la música eleva y los presentes se recogen en silencio...

Siguiendo con la modestia, no puedo dejar en el olvido un consejo que en algunas ediciones en español ha sido suprimido y dice así: "Respeta la posición de cada músico, pues si todos quisieran ser primeros violines no se podría organizar una orquesta". Creo que no necesita comentarios...

Aconseja también Robert Schumann el estudio de la Historia de la Música y el conocimiento de las obras maestras de diversos tiempos como medida contra la presunción.

Imprescindible para él el estudio de la Vida, de las demás Artes y de las Ciencias, la lectura de los buenos poetas y el continuo paseo por el campo, por la naturaleza, así como el estudio de las leyes éticas, que son las que rigen el arte.

Para terminar, recordar que al principio de este artículo, pedía a mis alumnos máxima atención a las últimas palabras del mismo. Van a ser escritas sin comentarios, para que sean meditadas y digeridas por cada cual, sin mi punto personal de vista. Son tan profundas, que espero calen en vuestros corazones como siempre han calado en el mío (leí por vez primera los consejos de Schumann a mediados de los años setenta del siglo XX).

Estas son:

"Ten siempre presente que el arte no se ha hecho para ganar dinero".
"Lleva la música en la cabeza y en el corazón".
"Sólo el genio puede comprender el genio".
"No se comprende el espíritu, sino cuando se ha dominado la forma".

Y sobre todo:

JAMÁS SE ACABA DE APRENDER.

En todas partes hay Manuelas de alquiler, pero no Pepas...

2010-05-30T11:28:00.003+02:00

María José Sánchez

Hoy te lo ha vuelto decir Miguel (Don Miguel Zanetti), porque hace unas horas os habéis reencontrado en el más bello teatro de cuantos existen; el teatro en el que no existen ni la envidia, ni los pisotones; el Teatro del Infinito. Y lo que te ha dicho es esa frase inmortal que La Pepa (la aguadora, no la constitución esa que ahora quieren celebrar los politicastros de los demonios) le repite a La Manuela cada vez que se repone la inmortal Agua, Azucarillos y Aguardiente (en su formato original, claro, como a ti y a mi nos gusta, no en esos formatos en forma de mariconada que tantos directores de escena actuales usan para destrozar nuestra zarzuela, al amparo del dinero público robado a los "esclavos felices" a través de los impuestos).
Hoy te lo ha vuelto a decir, sorprendido por tu demasiado pronta llegada a ese otro mundo (la verdad, creo que aún no te tocaba, ahí arriba puede que también se equivoquen...) del que ya sabes más que yo, pero del que intuyo que se tiene que estar mucho mejor que aquí, pues parece que nadie vuelve, al menos en su corporación anterior.
Hoy te ha vuelto a recitar aquello que a ti tanto te gustaba que te recitase:

...y te lo digo para que lo sepas, que en todas partes hay "manuelas" de
alquiler, pero no "pepas"...

Y tenía razón... Las Pepas no os alquiláis; las Pepas, sois auténticas, libres, hermosas y maravillosas.
Se que ahora, después de tanto tiempo sin veros, os estáis contando muchas cosas, recordando muchas anécdotas y, además de a Miguel, estarás riéndote con muchas otras genialidades artísticas que conociste por acá en tu asombrosa carrera por el mundo de los sonidos.
Ya me seguirás contando... Ahora te dejo mientras escucho tu voz, mezclada con la voz de Luis recreando esas maravillas antiguas de nuestro pasado que tan bien sabías hacer...
Seguimos en contacto...

La Habanera y su hijo el tango; dos danzas muy presentes en el Teatro Lírico Español.

2009-12-06T13:21:00.002+01:00

La frontera entre la habanera y el tango a veces es inexistente; de hecho, el tango desciende de la misma habanera y también de la milonga. La música de hispanoamérica está desde siglos interconectada y el Teatro Lírico Español de un lado y otro del Atlántico se ha enriquecido con cientos de danzas derivadas unas de otras y mil veces evolucionadas, como pasa con estas dos que hoy homenajeo en PHILHARMONÍA DE LAS ESFERAS.

Una de las más famosas habaneras del mundo de la lírica es la de la ópera Carmen, obra que a pesar de ser la principal abanderada del Teatro Lírico Francés, para mi es puro Teatro Lírico Español y creo que no hace falta discutir sobre ello. Sin embargo, no os voy a proponer escuchar hoy esa habanera; prefiero haceros disfrutar con la que cantan los sombríos personajes Verdier, Juan de Eguía y Simpson en el genial Romance Marinero en tres actos LA TABERNERA DEL PUERTO, que el maestro Pablo Sorozábal estrenó poco antes de estallar la Guerra Civil Española.

La siguiente grabación, con la Orquesta Sinfónica de Galicia dirigida por Victor Pablo Pérez, cuenta con la participación de los barítonos Juan Jesús Rodríguez (Verdier) y Juan Pons (Juan de Eguía) y del bajo Enrique Baquerizo (Simpson)

En cuanto al tango, la audición que os escojo es también altamente deliciosa; nada más y nada menos que el tango del tercer acto de nuestra inmortal ópera Marina, también dirigida por Victor Pablo Pérez pero esta vez con la Orquesta Sinfónica de Tenerife y la sección masculina del Coro de Cámara de Tenerife y del Coro del Conservatorio Superior de Música de la misma ciudad. El solista vuelve a ser el gran barítono Juan Pons, esta vez en el simpático papel del huraño y solitario Roque:

Manuel de Falla cumple hoy 133 años

2009-11-23T11:37:00.002+01:00

Nuestro carismático Manuel de Falla, sagitario él y raro como todos los sagitarios que conozco (un abrazo Julio, cuantas carcajadas pegamos juntos de vez en cuando), es mundialmente conocido por un puñado de composiciones que siempre podremos escuchar en directo o en grabación y que no hace falta recordar aquí; sin embargo, en su pequeño catálogo podemos encontrar deliciosos bombones rellenos de suave licor como el que hoy os voy a proponer escuchar: Psyché (Melodía francesa para Mezzo-soprano, Flauta, Harpa, Violín, Viola y Violoncello).

El Palau de la Música de Barcelona acogió el 9 de febrero de 1925 el estreno de Psyché, compuesta por Falla sobre un poema de Jean-Aubry. Uno de los hallazgos del músico en esta obra resultó de su decisión de trasladar la escena mitológica presente en el poema original al ámbito del Peinador de la Reina en la Alhambra, situando la acción a principios del siglo XVIII. El propio Falla lo explicó así en un texto incluido en la partitura impresa de Psyché:

Recordando que Felipe V y su mujer Isabel de Farnesio vivieron hacia 1730 en el Palacio de la Alhambra, he imaginado, al componer esta Psyché, un pequeño concierto de corte que tendría lugar en este Tocador de la Reina que, situado en una alta torre, descubre un panorama verdaderamente espléndido.

Vamos a oír una versión de Psiché cantada por Victoria de los Ángeles con miembros de la Orquestra de Cambra Teatro Lliure bajo la dirección de Josep Pons.

Feliz día de Santa Cecilia para todos los Músicos-Poetas

2009-11-22T12:20:00.005+01:00

Estatua yacente de Cecilia en la catedral Sainte Cécile, en Albi (sur de Francia)

Cecilia de Roma, más conocida como Santa Cecilia (en latín Sancta Caecilia), fue una noble romana martirizada según la tradición por su conversión al cristianismo.

En la Iglesia Católica y en la Ortodoxa, es la patrona de la música, de los poetas y de los ciegos.

El órgano y el laúd (además de las rosas), son atributos obligados en sus iconografías más habituales. En honor a ella, un importante movimiento de renovación de la música sacra católica de finales del siglo XIX recibió el nombre de cecilianismo.

Son numerosas las composiciones musicales en su honor; hoy, para celebrar este día tan señalado para todos los Músicos-Poetas, he elegido el poema Anthem for St. Cecilia’s Day (Himno al Día de Santa Cecilia) que Willian H. Auden escribió especialmente para el compositor Benjamin Britten nacido precisamente el Día de Santa Cecilia de 1913, el cual puso en música para coro mixto a capella. Estos dos hombres, ambos británicos, eran amigos muy cercanos; a principios de los años cuarenta incluso vivían en la misma casa que compartían con el tenor Peter Pears, compañero de toda la vida de Britten. Eran gays, en una época en que había mucho menos aceptación de la homosexualidad que la que existe ahora, incluso entre escritores y músicos. En esta poesía y en su tratamiento, se pueden encontrar pasajes sensuales, referencias a la inocencia perdida y varios dobles sentidos. Auden conocía bien la depresión que Britten sufrió toda su vida, y su lucha con la culpa y la autoaceptación.

El siguiente vídeo recoge una interpretación del Coro Santa Cecilia de Helsinki en Finlandia. Este coro de aficionados está dirigido por el Maestro Dag-Ulrik Almquist y suena ansí:

Amadeo Vives cumple esta semana 138 años

2009-11-15T12:38:00.006+01:00

Es uno de los más grandes compositores de nuestro Teatro Lírico Español. En varias ocasiones, he tenido el honor de poder dirigir su obra maestra Doña Francisquita, inspirada en La discreta enamorada de Lope de Vega. Arriba, podéis oír un dúo que a mi especialmente me gusta mucho y que curiosamente cada vez que lo he dirigido, debido quizás a su dramatismo, nadie ha aplaudido... El público se queda petrificado y anonadado ante la maldad de esa mujer fatal que es Aurora la Beltrana, intentando una vez más encandilar con sus encantos venenosos a Fernando, para alejarlo de su nuevo amor Francisquita. Aurora representa a tantas mujeres que no viven, pero tampoco dejan vivir... A esas mujeres inquietas que buscan un amor cada día, pero no dejan de estar pendientes de su amor verdadero, aquel que ellas saben que es el único que las puede hacer feliz, pero al que continuamente desprecian y pisotean. Cuando perciben que ese amor puede ser perdido para siempre, vuelven a escena con más ímpetu, pero siempre El Universo está al acecho y, finalmente, acaban siendo ellas mismas las depreciadas por todos. Como la vida, Doña Francisquita es siempre un retorno a la eterna juventud y así termina siempre, para volver a empezar...

El blog ha estado de vacaciones

2009-09-24T10:59:00.006+02:00

Decidí dar una merecidas vacaciones a Philharmonía de las Esferas, porque me dijo que estaba estresado, pero cuando debía incorporarse al trabajo, no apareció, cortándose por tanto el ciclo de cumpleaños de interés. Como tampoco a mi me gusta mucho la rutina, de vez en cuando cambiaré los ciclos si es que me da por cambiarlos. Me cansa mucho hacer siempre lo mismo. No tengo alma de funcionario, aunque de momento tenga que depender (espero que por poco tiempo) de la administración pública, en la que por supuesto no creemos los que pensamos por nosotros mismos; está claramente poseída por los diablos.

Ya es hora pues que este blog siga diciendo algo a las minorías, siempre verdaderas. Como habréis podido comprobar, ya estamos en Libra; os voy a dejar el nombre de algunos compositores nacidos bajo este signo porque se que a más de una persona Libra le gustará saber quienes han nacido durante el primer tercio del otoño: Además del español Pascual Emilio Arrieta (21-10-1823), del que más arriba he colocado un fragmento de su inmortal ópera Marina, son Libra los franceses Jean-Philippe Rameau (25-9-1683), Camille Saint-Saëns (9-10-1835) y Paul Dukas (1-10-1865); el gigante húngaro Franz Listz (22-10-1811), el famosísimo italiano Giuseppe Verdi (10-10-1813), el británico Ralph Vaughan-Williams y el norteamericano George Gershwin (28-9-1898) entre otros.

Os aconsejo que busquéis entre las composiciones de estos maestros las que estén compuestas en las tonalidades enharmónicas de Fa#/Solb Mayor y Re#/Mib menor; la balanza típica de Libra provoca como veis que lo mismo pueda ser llamado de distintas maneras y demuestra que "así como es arriba es abajo"...

¿Qué me decís, que no encontráis ninguna obra de estos compositores en estas tonalidades menos habituales? ¡Claro que si! Quién busca encuentra, pero no hace falta ir demasiado lejos. ¿Quién no conoce el siguiente coro escrito en Fa# Mayor? Creo que no hace falta que os diga ni su título ni su autor ¿verdad?

Hoy se celebra el 295 aniversario del nacimiento de Gluck

2009-07-02T22:05:00.004+02:00

Tras unos días de "descanso" en el blog, que me han venido muy bien para estar más centrado en el final de este curso que ha sido a la vez que agotador muy divertido, vuelvo con los cumpleaños (menos mal que durante estos días no ha habido ninguno relevante para la historia de la música; si lo ha habido, yo no me he enterado).

Hoy le toca el turno a un reformador del siglo XVIII, que luchó contra las modas de la ópera italiana de su época y que ha pasado a la historia con el apodo de "El Miguel Ángel de la Ópera"; Christoph Willibald Gluck.

La tercera de sus llamadas "óperas de reforma", la menos representada en nuestros días, es sin embargo la más querida por mi. Se llama "Paris y Elena" y quienes hayan leído a Homero en seguida querrán conocer esta obra... No voy a hablar de ella, hay mucha información y grabaciones, pero sí voy a poner un fragmento, "O del mio dolce ardor", el más conocido quizás, cantado por Teresa Berganza y especialmente dedicado a mis alumnos, porque será un buen ejercicio para ellos leer la partitura que aparece en el vídeo que inserto más abajo mientras escuchan.

El papel de Paris ofrece hoy la dificultad de encontrar un cantante apropiado, pues se escribió para una voz de castrato bastante alta. Las arias de Paris se han adaptado para voz de tenor con transposiciones a una octava inferior, o para sopranos y mezzo-sopranos.

Oigamos a Teresa Berganza mientras leemos:

Los compositores géminis importantes abundan; hoy le toca el turno a Charles Gounod, que cumple 191 años.

2009-06-18T16:56:00.004+02:00

Sin duda, este compositor es conocido principalmente por su obra religiosa Ave Maria, compuesta sobre la harmonía del primer preludio de El Clave Bien Temperado de Bach, además de por su ópera Fausto entre otras muchas composiciones, pero muchos forofos de Alfred Hichcock recordarán una música llamada Marche Funebre d'une Marionette (Marcha fúnebre para una marioneta), que alcanzó gran popularidad a raíz de ser utilizada por el genial cineasta británico para abrir la presentación de su serie Alfred Hichcock present (1955-1964) en la cadena CBS y, más tarde, también para La hora de Alfred Hichcock, que estuvo en antena entre 1964 y 1965, en la cadena NCB. Por ello aparece a menudo asociada a la figura del director.
Hitchcock, preguntado sobre el porqué de su uso en una entrevista, afirmó que con ella se había sonorizado la obra Amanecer, de F.W. Murnau, película de 1927 que obtuvo tres Oscars en su primera edición.

Veamos como comenzaba una de esas series, mientras suena la música de Gounod:

Una película para el 127 aniversario del nacimiento de Igor Stravinsky

2009-06-17T12:47:00.004+02:00

Tal día como hoy nació en una ciudad rusa llamada Oranienbaum el longevo y variadísimo compositor Igor Stravinsky, uno de los músicos más transcendentes para la música del siglo XX.

Como siempre, habría mucho que comentar de un maestro tan singular, pero hoy, os voy a anunciar que acaba de estrenarse en el Festival de Cannes de 2009, un film titulado Coco Chanel & Igor Stravinsky, protagonizado por Anna Mougladis en el rol de Coco Chanel y por el dinamarqués Mads Mikkelsen en el de Igor Stravinsky, basado en una novela de Chris Greenhalgh; el breve relato está principalmente enfocado en el apasionado romance secreto entre la diseñadora de modas y nuestro compositor.
La historia conjuga hechos reales y de ficción partiendo del triste estreno en 1913 del Ballet La Consagración de la Primavera en París, donde la música de Stravinsky y la coreografía experimental de Vaslav Nijinsky fueron recibidas con abucheos y silbidos por ser consideradas demasiado modernas y extranjerizantes (!). Siete años después, Chanel, que asistió al estreno, es presentada al empobrecido compositor y lo invita junto a su familia a mudarse a su casa de campo. Pese a que los hechos de lo que pasó durante la breve estadía son vagos, en la película los personajes tienen un apasionado romance que nutre la energía creativa de ambos.

Descubrí que Coco asistió al primer estreno de La Consagración de la Primavera y que Stravinsky vivió en la casa en 1920. Eso es un hecho

aseguró Greenhalgh a los periodistas en Cannes.

Más que eso, había muy poco (de información). Tenía el marco de los hechos, pero la libertad de inventar todo lo que ocurrió al interior de la casa de campo

explicó el cineasta.

Vamos a ver un trailer de esta película que yo personalmente espero ver muy pronto:

Una canción para el 166 cumpleaños de Edward Grieg

2009-06-15T12:30:00.003+02:00

Hace unos minutos, chateando con la soprano Maribel Ortega, que me ha comunicado que para noviembre viene por fin a su ciudad natal para cantar la ópera Macbeth en el Teatro Villamarta, teatro en el que debuta como profesional después de varios años en Barcelona cantando multitud de roles en ópera y zarzuela, le pregunté: ¿has cantado algo de Grieg? hoy es su cumpleaños y, como siempre, hago las entradas espontáneamente buscando siempre algo no tan habitual o alguna información no demasiado conocida...

Me dijo que una vez había cantado la canción Ich Liebe Dich (en español sería algo así como: Te Amo). Acto seguido, me pongo a buscar y, aunque desgraciadamente no puedo poner una versión cantada por Maribel, sí vamos a poder disfrutar de otra cantada por una soprano española descendiente de la gran Lola Rodríguez Aragón, que tantos buenos cantantes formó en la Escuela Superior de Canto de Madrid y que tantos buenos cantantes siguen formando sus alumnos, siguiendo la estela de la gran Lola (Maribel empezó estudiando en Musicry, Centro de Estudios Musicales de Jerez con María José Sánchez, discípula de Teresa Tourné que a la vez fue discípula de Lola Rodríguez Aragón).

La soprano del siguiente vídeo es Paloma Pérez-Íñigo, que cantará al maestro geminiano que hoy cumple 166 años acompañada al piano por Julio García Casas:

Hoy cumple 145 años Richard Strauss

2009-06-11T12:09:00.003+02:00

Se acerca el solsticio de verano y con él, la historia de Juan el Bautista. Nuestro compositor de hoy tiene, entre sus óperas, una que, basada en una obra de Oscar Wilde, SALOMÉ, nos cuenta la siguiente historia relacionada con este profeta:

En una noche de luna llena, en el palacio de emperador, durante el reinado de Herodes Antipas, hastiada de la fiesta que allí se celebra, la joven princesa de Judea, Salomé, pide ver al extraño prisionero que, alojado en la cisterna, proclama la llegada del Mesías. Es Iokanaan (Juan, el bautista).
Al contemplarlo, Salomé se enamora y le ruega que acceda a sus deseos carnales. El profeta la rechaza violentamente y la maldice. La joven jura venganza, es la primera vez que alguien no accede a sus caprichos.
El pervertido Herodes que gusta de su hijastra Salomé, le pide que baile a cambio de un deseo, sea éste el que sea. Salomé le hace jurar que cumplirá su palabra y, a pesar de las protestas de su madre Herodías, la esposa de Herodes, baila la danza de los siete velos. Luego de bailar, Salomé pide su deseo: la cabeza del profeta en un bandeja de plata.
Herodes intenta desesperadamente satisfacerla con otras cosas para persuadirla de su insensatez.
Pero ella está convencida de que lo único que desea es la cabeza del hombre.
Finalmente Herodes accede.
La ejecución del Bautista es el punto álgido de la obra, no se ve en escena pero la orquesta es la encargada de registrar el momento.
Un guardia entrega la cabeza en la bandeja a Salome que, enloquecida de placer, hace el monólogo culminante de la ópera "Ah, no quisiste besarme, ahora yo te besaré".
Desquiciada, le declara su amor ante la mirada espantada de los presentes. En el momento en que la princesa besa la cabeza sangrante del profeta, Herodes ordena a los soldados que la liquiden.

La danza de los siete velos se ha convertido en la pieza más popular de esta ópera; la podemos disfrutar en el siguiente vídeo grabado en 1990 en Berlín, en el que podemos ver a la soprano Catherine Malfitano bailando mientras suena la orquesta dirigida por Giuseppe Sinopoli:

Hoy se cumplen 144 años del estreno de Tristán e Isolda

2009-06-10T13:31:00.006+02:00

Esta ópera de Richard Wagner, sobre cuya historia, argumento, etc. hay escritos cientos de libros que debéis consultar para mayor información, comienza con un acorde muy particular que, por inclasificable según las leyes de la harmonía tradicional, ha pasado a ser conocido como el Acorde de Tristán.

El Acorde de Tristán está formado por las notas Fa, Si, Re# y Sol#, denominándose así a cualquier otro acorde formado con los mismos intervalos musicales, aún en otras tonalidades: partiendo de la nota más grave, una cuarta aumentada, una tercera mayor y una cuarta justa.
Se trata del primer acorde que se escucha en el movimiento "langsam und schmachtend" (lento y languideciendo) y que podéis ver (y tocar) en el fragmento que he insertado como encabezamiento de esta entrada.

En realidad, como con todo lo relativo al análisis harmónico, dando vueltas a las leyes clásicas sí podríamos explicarlo sin ningún problema considerando el Sol# que suena en la voz superior como apoyatura inferior de la nota La en la que desemboca... En tal caso, podríamos decir que se trata de un Acorde de Sexta Aumentada (concretamente el denominado Sexta Francesa) que comienza con la citada apoyatura... Fácil ¿verdad? Pues vamos a pasar a oír el Preludio completo, en una versión dirigida por Daniel Barenboim con la Orquesta de París:

Hoy cumple 199 años Robert Schumann

2009-06-08T12:04:00.002+02:00

Robert y Clara Schumann

Zwickau, 8 de junio de 1810. Una nueva partitura humana comienza a sonar. Por la fecha de su nacimiento, la armadura debiera contener un par de sostenidos, sin embargo, la tonalidad de Re Mayor, lado masculino de géminis, con el tiempo, se torna menor, toma un sólo bemol y es en esta oscura mezcla de vibraciones de Re menor donde tenemos que buscar los secretos más escondidos de Robert...

Y el secreto está en Clara, su esposa y magistral pianista que nace en septiembre resonando en Fa mayor, lado masculino de Virgo y tonalidad masculina conyugal de la transmutadora Re menor, siempre presente en el siempre aspirante a la transfiguración Robert Schumann, que prefiere convertirse en el lado femenino de esta pareja imprescindible para la Historia de la Música...

Y en Re menor está su cuarta Sinfonía, la que lleva por número de Opus el 120. Es una de las sinfonías más originales compuestas tras la muerte de Schubert y Beethoven y que os invito a oír a través de la Cleveland Orchestra, acariciada por las manos de George Szell, pero, antes, os voy a contar otro secreto: Schumann, como buen artista, no estaba cerrado al mundo de lo esotérico y, su creación temática, venía de lo más alto... Schubert y Mendelssohn, con quienes se comunicaba en sesiones de espiritismo (está documentado), le enviaban a través de los ángeles los contenidos temáticos que nos tenía que desvelar... ¡Oídlos!

I. Ziemlich langsam - Lebhaft

II. Romanze. Ziemlich langsam

III. Scherzo. Lebhaft

IV. Langsam. Lebhaft

Hace 152 años, Broadheath, ciudad inglesa, fue testigo del nacimiento de un géminis enigmático y especial: Sir Edward Elgar.

2009-06-02T23:00:00.003+02:00

Efectivamente, este ser enigmático que en 1897 escribió una carta cifrada a Dora Penny (el "Cifrado Dorabella", Dorabella Cipher), formada por 87 caracteres en 3 líneas de texto, cuyo contenido permanece oculto hasta la actualidad, ya que nunca ha podido ser descifrada, Estrenó en 1899, a la edad de 42 años, su primer gran trabajo orquestal, las Variaciones Enigma. La obra fue aclamada, posicionando a Elgar como el compositor británico más prominente de su generación. El trabajo se titula formalmente "Variaciones sobre un tema original (Enigma)". El enigma consiste en que a pesar de haber trece variaciones del "tema original" (el tema enigmático), que según Elgar "atraviesa la obra entera", en realidad nunca se lo escucha explícitamente. Elgar dedicó la obra a "mis amigos retratados en ella" ; cada variación muestra un emotivo retrato de algunas de sus relaciones sociales más cercanas.

Se cuenta que un día de 1898, después de una cansadora jornada de enseñanza, Elgar soñaba frente al piano. Una de las melodías que improvisó llamó la atención de su esposa y, como le agradó, le pidió que la repitiera. Entonces, para entretener a su mujer, empezó a improvisar variaciones, cada una retratando a un amigo, o al estilo musical que podría usar. Más adelante, Elgar expandió estas variaciones y las orquestó.

Hoy vamos a oír de estas variaciones la que lleva por título Nimrod, en versión de la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Daniel Barenboim.

Hoy hace 205 años que Mihail Ivanovich Glinka nació en Novospasskoye

2009-06-01T12:43:00.005+02:00

Gran admirador de la música popular, no sólo de la de su país, Rusia, sino también de la que tuvo a bien conocer en sus viajes entre los que se incluye España, Glinka está considerado como el "padre" del nacionalismo musical ruso, por ser el primero en introducir temas propios del folclore en sus composiciones.

Para la historia de la música es de vital importancia saber que inspiró a un grupo de compositores a reunirse (más tarde, serían conocidos como "los cinco") para crear música basada en la cultura rusa. Este grupo, formado por los compositores Balakirev, Rimski-Korsakov, Borodin, Mussorgsky y Cui, posteriormente fundaría la Escuela Nacionalista Rusa, demostrando que no hace falta ninguna vinculación con el mundo de los conservatorios para hacer música.

Sus obras más conocidas son sus óperas "Una vida por el Zar" y "Rusland y Ludmilla", pero en nuestro país se suele programar bastante la "Jota Aragonesa" que compuso con motivo de la visita anteriormente reseñada y que podemos escuchar en versión de la STAATSKAPELLE DRESDEN dirigida por Sir Neville Marriner.

El viernes 29 cumplieron años dos compositores innovadores...

2009-05-31T12:43:00.011+02:00

Isaac Albéniz

Efectivamente, cada uno a su manera (Isaac Albéniz e Iannis Xenakis) y según el momento en que les tocó vivir, aportaron a la música semillas de evolución e inmortalidad.

No voy a hablaros a estas alturas de Isaac Albéniz; ya sabéis, como yo, que quien desea saber, hoy día tiene medios ilimitados para poder conseguir el conocimiento que en cada momento necesite.

Isaac Albéniz cumplió el viernes 149 años. Su producción es extensa y, en gran parte famosa hasta para los no iniciados.

Hoy vamos a ver y oir un fragmento curioso de su ópera Pepita Jiménez, que apareció en el indigesto No-do que muchos hemos tenido que tragarnos en el cine de otras épocas, como aperitivo semejante a la cucharada de Quina Santa Catalina, que nuestras abuelas nos daban antaño, con la buena intención de abrirnos el apetito...

Ese fragmento tiene sin embargo un interés alto por contener en escena a una pareja inmortal de la lírica española: Alfredo Kraus y Pilar Lorengar.

La producción es también curiosa: se trata de la versión que realizó en 1964 Pablo Sorozábal y que tuvo dos representaciones en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En las memorias de Pablo Sorozábal, se pueden leer algunas anécdotas relativas a las citadas representaciones, entre las que se destacan las "amables" palabras que el maestro vasco, tan castigado por los esclavos voluntarios del franquismo, se atrevió a dirigir a uno de ellos, Manuel Fraga, que en aquellos instantes tenía la desgracia de ser ministro del citado régimen asesino... Cuando Fraga fue a los camerinos (aún se puede ir a los camerinos a visitar a los artistas en el Teatro de la Zarzuela, a diferencia de ciertos teatros catetos de provincias en los que no está permitido) a saludar al maestro Sorozábal, le dijo: Maestro, estará usted contento... Sorozábal le respondió: En absoluto; usted igual que yo, sabe que a esta obra sólo se le darán un par de representaciones y adios muy buenas...

Pero volvamos al protagonista principal, Isaac Albéniz y a su obra Pepita Jiménez, en voz de Kraus y Lorengar (advierto que al final sale la voz odiosa del locutor del No-do, pero afortunadamente podemos interrumpir el vídeo cuando queramos)

En cuanto a Xenakis, también cumplió años el viernes, pero algunos menos, sólo 87 y los ha tenido que celebrar desde las esferas, pues en 2001 le dio por cambiar su envoltorio...

La complejidad del personaje la vais a poder comprobar leyendo un fragmento de su obra "Formalized Music: Thought and Mathematics in Composition”:

“Como resultado del punto muerto en la música serial, así como de otros motivos, en 1954 originé una música construida en base al principio de la indeterminación; dos años más tarde la llamé “música estocástica”. Las leyes del cálculo de probabilidades entraron en la composición por pura necesidad musical. Pero otros caminos también llevaron a la misma encrucijada, el más importante: los acontecimientos naturales, tales como la colisión del granizo o la lluvia
sobre superficies duras, o el canto de las cigarras en un campo veraniego. Estos acontecimientos sonoros están constituidos por miles de sonidos aislados; esta multitud de sonidos, vista como una totalidad, es un nuevo acontecimiento sonoro. Este acontecimiento masivo está articulado y forma un molde temporal flexible, que de por sí sigue las leyes aleatorias y estocásticas. Si alguien desea formar una gran masa a partir de notas puntuales, como con pizzicati de cuerdas, debe saber estas leyes matemáticas, que, en cualquier caso, no son más que una estricta y concisa expresión de cadenas de razonamiento lógico. Todo el mundo ha observado los fenómenos sonoros de una multitud política de decenas o cientos de miles de personas. El río humano grita un lema con un ritmo uniforme. Entonces otro lema surge desde la cabeza de la manifestación; se extiende hacia la cola, reemplazando el primero. Una onda de transición pasa de la cabeza a la cola. El clamor llena la ciudad y la fuerza inhibidora de la voz y el ritmo llegan a un clímax. Es un acontecimiento de gran poder y belleza en su ferocidad. Entonces, el impacto entre los manifestantes y el enemigo se produce. El perfecto ritmo del último lema se rompe en un gran grupo de gritos caóticos, que también se extiende hasta la cola. Imagina, además, los estallidos de las ametralladoras y el silbido de las balas intercalándose en ese desorden total. La multitud se dispersa rápidamente y después del infierno sonoro y visual sólo queda el silencio, lleno de desesperación, polvo y muerte. Las leyes estadísticas de estos acontecimientos, separadas de su contexto político o moral, son las mismas que aquellas de las cigarras o de la lluvia. Son las leyes
de transición desde el orden absoluto al desorden total de una manera continua o explosiva. Son leyes estocásticas [Xenakis, 1971].”

Como habréis podido comprobar, sobran mis palabras; será mejor que pasemos a oír algo de su producción... ¿Os parece Metastasis un título sugerente? Pues nada, ahí lo tenéis:

Hoy cumple 84 años Dietrich Fischer-Dieskau

2009-05-28T11:49:00.007+02:00

Las esferas y sus philharmonías están de fiesta. El asteroide nº 42482 cumple hoy 84 años... No, no es ningún tipo de recurso literario, es una realidad. Este señor que aquí veis, eminente barítono, director de orquesta y musicólogo alemán, nació tal día como hoy en Berlín y, sus numerosos méritos musicales, le han concedido el honor de bautizar con su nombre al astro citado.

¿Existe algún compositor al que no haya cantado este genio de los resonadores faciales? De las numerosísimas grabaciones que de él conozco, casi ninguno se queda fuera, especialmente en el mundo de los lieder; los de Schubert por ejemplo los ha grabado prácticamente en su totalidad.

Víctima de las indecencias políticas, sufrió durante dos años cautiverio como prisionero de guerra de los estadounidenses. Sin embargo, su larga vida es valorada positivamente por él mismo como demuestran estas palabras vertidas en una entrevista que le hicieron en 2005:

Fui un viudo y he sufrido mucho en mi vida y fui un soldado, que fue lo peor de todo. Pero es buena cosa haber vivido una vida que ha tenido buenas consecuencias.

Aunque retirado como cantante desde 1992, Fischer-Dieskau ha seguido activo como director de orquesta, escritor y, principlamente como profesor, siendo una autoridad indiscutible en lo referente a la interpretación del lied.

Precisamente vamos a escucharlo cantando Lieder, concretamente de Schumann, para ser fieles con los momentos estelares que estamos viviendo estos días en los que el Sol camina por Géminis, signo al que pertenece Fischer-Dieskau y al que también pertenece Schumann.

Wesendonck-Lieder

2009-05-24T23:08:00.004+02:00

Esta señora que aquí veis es Mathilde Wesendonck, esposa de un banquero y mecenas llamado Otto Wesendonck, a la vez que amor platónico de Richard Wagner que, con las letras de unos poemas que ella misma había escrito, compuso el ciclo de canciones titulado Wesendonck-Lieder, para voz femenina y piano. Actualmente, suele ser más habitual que se cante la versión orquestada por Felix Mottl, con soprano o con mezzo-soprano e incluso hasta con tenor y no es extraño que algún que otro barítono también se anime a cantarla.

La versión que hoy os presento es anónima, pero la voz que suena me recuerda mucho a Jessye Norman y casi me atrevería a afirmar que es ella la protagonista de las cinco grabaciones siguientes:

Empecemos por la primera canción del ciclo, cuya traducción os proporciono:

Der Engel (El Ángel)

En los albores de mi infancia oí decir que los ángeles cambiaban las felicidades celestes por la luz del sol terrenal. Así, cuando un corazón apenado oculta al mundo su pesar, cuando sangra en silencio y se funde entre lágrimas, cuando ruega con fervor pidiendo solo su liberación el Ángel desciende hacia él y, dulcemente, le conduce al Cielo. Sí, también un Ángel ha descendido sobre mí y sobre sus alas resplandecientes eleva, lejos de cualquier dolor, mi espíritu hacia el cielo.

En la segunda, si leéis la traducción, percibiréis en el acompañamiento el perpetuo devenir del tiempo...

Stehe still! (Detente)

Oh incesante Rueca del Tiempo, medidora de la Eternidad Esferas centelleantes del gran Todo que rodea nuestro globo. Creación original ¡detente! Cesad en vuestro perpetuo devenir ¡dejadme ser! ¡Detente fuerza creadora! Pensamiento primero en constante creación ¡Deteneos, hálitos! ¡Enmudeced deseos! Concededme un solo segundo de silencio. ¡Pulso enloquecido, calma tus latidos! ¡Detente, día eterno de la voluntad! A fin de que, en un afortunado y dulce olvido, pueda medir toda mi alegría. Cuando los ojos beben la alegría en otros ojos, cuando el alma entera se anega en otra alma, cuando el ser se encuentra en otro ser enmudecen los labios, silenciosos en su asombro y nuestro corazón secreto ya no tiene ningún anhelo. El hombre reconoce el sello de la Eternidad y resuelve su enigma, Santa Naturaleza.

La tercera sirvió a Wagner como boceto de algunos elementos presentes en el segundo acto de Tristán e Isolda; ahí van su título y traducción:

Im Treibhaus (en el invernadero)

Coronas de follaje en altas arcadas, baldaquines de esmeralda, vosotros, hijos de lejanas religiones, decidme ¿por qué os lamentáis? Inclináis en silencio vuestras ramas, dibujáis signos en el aire y, como mudo testigo de vuestras penas, se exhala un dulce perfume. Grandes, en vuestro ardiente deseo, abrís vuestros brazos para estrechar vanamente el horror espantoso del vacío. Sé muy bien, pobres plantas, que compartimos un igual destino. Aunque viviésemos entre una luz radiante nuestro hogar no está aquí. Al igual que el sol gozoso, que abandona el vacío esplendor del día, aquel que verdaderamente sufre se envuelve con el obscuro manto del silencio. Todo se calma. Un susurro ansioso llena la estancia obscura. Estoy viendo cómo pesadas gotas se hinchan en los verdes bordes de las hojas.

La cuarta canción se titula:

Schmerzen (Penas, tormentos)

Sol, lloras todas las noches hasta que logras enrojecer tus bellos ojos cuando, bañándote en el espejo del mar,
te ves abatido por una muerte prematura. Pero regresas con tu antiguo esplendor, gloria del mundo obscuro,
despertando en la aurora como un orgulloso héroe vencedor ¿Por qué, pues, debería lamentarme? ¿Por qué mi corazón ha de ser tan pesado? ¿Por qué incluso el propio Sol ha de desesperarse? ¿Por qué el Sol tiene que desaparecer? Y si solo la muerte da nacimiento a la vida, si solo los tormentos proporcionan la alegría, ¡oh, cómo te doy las gracias, Naturaleza, por los tormentos que me has dado!

Por último, otra canción que sirve como boceto a nuevos elementos posteriores; en este caso para el tercer acto de Tristán e Isolda:

Träume (Sueños)

Dime ¿qué sueños maravillosos retienen prisionera a mi alma, sin desaparecer, como pompas de jabón, en una nada desolada? Sueños que a cada hora de cada día florecen más hermosos. Y que, con sus prefiguraciones del Cielo, pasan felizmente a través de mi espíritu. Sueños que, como rayos de gloria, penetran en el alma para pintar en ella una imagen eterna: ¡el olvido de todo! ¡el recuerdo único! Sueños parecidos al sol de la primavera cuyos besos hacen brotar las flores entre la nieve y que, con una inimaginable felicidad, acogen al nuevo día. Y creciendo, y floreciendo, y soñando, exhalan su perfume, y se marchitan, dulcemente, sobre tu pecho para descender después al sepulcro.

Ayer cumplió 196 años Richard Wagner

2009-05-23T09:51:00.004+02:00

¡SE ME OLVIDÓ POR COMPLETO!

Precisamente por la tarde, mi amigo Manuel el contrabajista me hacía comentarios sobre sus incursiones en este blog y yo le decía: pues la próxima entrada la pondré el día 22, que será el cumpleaños de Wagner... ¡Y estábamos a 22!

Bueno, espero que no me mande a sus Walquirias para atravesarme con sus lanzas, indignado por mi torpe olvido...

Mañana domingo, con un poco de más tiempo, escribiré algo sobre uno de mis más adorados compositores; hoy, me consuelo con volver a poner en este blog lo más cercano que tengo a mano que, precisamente es, según mi maestro Jacques Chapuis, una de las melodías más bellas que jamás se hayan escrito: la obertura de Tannhauser, el único mortal que de verdad ha conocido el amor, por haberlo disfrutado precisamente con la diosa Venus en su monte sagrado...

Cuidado los enamorados, porque esta pieza tiene un gran poder afrodisíaco y, sobre todo, esta versión dirigida por Celibidache... (¡Ay!...)

Benedetti no ha muerto...

2009-05-19T23:53:00.002+02:00

No es cierto.

Como tantas noticias falsas que a diario nos inundan, en los medios de comunicación han anunciado la muerte de Mario Benedetti... ¿Aún no se han enterado que los grandes maestros son eternos? ¿Aún no se han enterado que un simple envoltorio físico no es sino un pequeño receptáculo portador de energías infinitas que laten más allá del tiempo y del espacio?

Para demostraros que Mario Benedetti sigue entre nosotros, os dejo el siguiente vídeo, en el que nos cuenta, a través de Serrat, con sabrosas palabras bañadas de sonido, su gusto por ciertas maravillas que nos da la vida...

Hoy cumple 143 años Erik Satie

2009-05-17T11:45:00.009+02:00

Desbordante imaginación, agudo sentido del humor, místico, esotérico, libre... Eso sí, libre, sobre todo libre. Erik Satie nunca quiso pertenecer a ningún movimiento colectivo y, a la vez, muchos de estos movimientos (simbolistas, cubistas, dadaístas, surrealistas, neoclásicos, conceptuales, repetitivos, minimalistas, fluxus, new age, ambient music...) lo han querido tener como uno de los suyos.

En el día de su cumpleaños, quiero resaltar sobre los miles de comentarios que podrían decirse sobre su personalidad y sobre su obra, uno de ellos: su peculiar sentido del humor.

Erik se presentaba como un "hombre del género de Adán (del paraíso)" y, muchas de sus frases, no tienen desperdicio: "Yo me llamo Erik Satie, como todo el mundo".

En sus partituras, abundan una serie de indicaciones que, al contrario de las que podemos encontrar en los demás compositores para realzar el carácter de la obra, en Satie no tenían como objetivo mejorar ningún recurso técnico, sino más bien influir en el estado de ánimo del ejecutante. Así, el intérprete mientras tocas una partitura puede encontrarse frases entre los pentagramas como las siguientes: "sobre terciopelo amarillecido..."; "sin que el dedo se ponga colorado..."; "como un ruiseñor con dolor de muelas..."; "de dientes afuera..."; "lacado como un chino..." y muchas más.

Hubo pianistas tan fascinados por aquellas frases que mientras las tocaban en público las leían en voz alta, cosa que a Satie no le agradaba de ninguna manera pues las consideraba una relación privilegiada entre su composición y el intérprete que nadie más debía conocer; un secreto entre los dos. Tal era la cólera que le produjo una vez que Arnold Schoenberg las leyera mientras tocaba durante un concierto de música francesa en Viena, que en una edición de su obra para piano Heures seculaires et instantanées publicó la siguiente nota al margen:

A cualquiera:

Prohibo leer en voz alta el texto durante el transcurso de la ejecución musical. Todo incumplimiento de esta observación levantará mi justa indignación contra el petulante.

No se conceden privilegios.

ERIK SATIE

Pasemos ahora a disfrutar con una gotita de su producción que siempre me produjo especial deleite: la Gymnopedie nº 1. Primero os propongo ver un vídeo de danza contemporánea recreando un fragmento de esta pieza:

Seguidamente, vamos a disfrutar de la versión orquestal que Debussy realizó de la citada Gymnopedie nº 1 junto a la Gymnopedie nº 3:

Espero que os haya gustado.

Sólo se nos ha quedado en el tintero un compositor tauro: Sergei Prokofiev. Cuando empecé con esta serie de cumpleaños ya había pasado el suyo. Prometo hablaros algo de él en algún otro momento.

Dentro de unos días, retomaremos el tema con los compositores géminis, entre los se encuentran una buena porción de gigantes de la música.

Hasta el día 22...

Hoy cumple 442 años Claudio Monteverdi

2009-05-15T00:25:00.004+02:00

Si tenemos la suerte de presenciar una representación del Orfeo de Monteverdi, tras la fanfarria inicial, un personaje alegórico, LA MÚSICA, canta con su lira estas palabras:

Desde mi Parnaso amado
vengo a vosotros, ilustres héroes,
famosos descendientes de reyes,
de los que la fama relata
imperfectamente sus méritos,
pues son sublimes.
Soy yo, la Música,
quien con sus dulces acentos
sabe apaciguar
los corazones alterados
y que puede inflamar
de cólera o de amor
los espíritus más fríos.
Cantando a los sones
de mi cítara de oro,
acostumbro a alegrar
los oídos de los mortales e incito
al alma a desear
más ardientemente
entender las armonías
de la lira celeste.
Cuando hago alternar los cánticos
alegres o tristes,
ningún pájaro
se mueve en las ramas,
ninguna onda murmura
sobre las orillas
y la brisa suspende su camino.

Hoy, para celebrar el cumpleaños de este músico que marcó una interesante transición del renacimiento musical al barroco y al que debemos importantes aportaciones al mundo de la ópera, así como a muchos efectos orquestales novedosos para su época, os propongo saborear el comienzo de la citada ópera, justo hasta que se cantan las palabras reseñadas. El vídeo que a continuación añado está grabado en el Liceo barcelonés y así de imponente comienza esta versión, dirigida por Jordi Savall:

Hoy cumple 164 años Gabriel Fauré

2009-05-12T11:01:00.005+02:00

Compositor, pedagogo y pianista, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia, debido a la elegancia de su escritura, a la perfección con la que trata la forma musical, a la constante búsqueda de la belleza y a su intenso melodismo. Es también una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.
Discípulo y amigo de Camille Saint-Saëns, Fauré se inició como organista en diversas parroquias de París, antes de que le fuera concedido el cargo de maestro de coro de la Madeleine en 1877. Primer organista de esta iglesia desde 1896, ese mismo año entró en el Conservatorio de París como profesor. Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX, como Maurice Ravel, Charles Koechlin (profesor de harmonía de uno de mis más queridos maestros, Joaquín Villatoro), Florent Schmitt, Nadia Boulanger (profesora de composición de otro de mis maestros entrañables, Manuel Castillo) o el rumano George Enesco.
En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera profesoral al ser nombrado director de dicha institución. Dimitió de este cargo en 1920 a causa de la sordera, que en los últimos años de su vida fue total.
Como compositor, Fauré destacó sobre todo en la creación de música de cámara y para piano, y de melodías para voz y piano. Sus dos sonatas para violín y piano (1876 y 1917), sus dos cuartetos con piano (1879 y 1886), los Nocturnos para piano solo (1875-1921) o el ciclo de melodías sobre poemas de Verlaine La bonne chanson (1894), entre otras obras, representan lo mejor de su talento en este campo. Sin embargo, no se deben olvidar algunas de sus incursiones en la escena lírica, con títulos como Prométhée (1900) y Pénélope (1913), o la música incidental compuesta para el drama de Maurice Maeterlinck Pelléas et Mélisande (1898), uno de cuyos fragmentos, Siciliana, se ha convertido con el tiempo en una de las páginas más divulgadas del compositor francés. Oigamos esta pieza, interpretada por dos músicos de lo que sólo me constan sus nombres de pila: Laura (flauta) y Manolo (piano)...

Como dicen que rectificar es de sabios, rectifico: En el concierto didáctico que presenté el pasado martes 21 de abril en el Salón Cultural del Centro Social La Granja de Jerez, tuve un pequeño error afirmando que Gabriel Fauré había nacido un 6 de enero; hoy queda claro al celebrar su cumpleaños que no es así...

De toda su producción, a mi particularmente me llena bastante su Requiem, que como todo requiem es, más que música para la muerte, música para la nueva vida. Terminemos este recuerdo de otro de los grandes sordos musicales saboreando el final de esta obra, In paradisum, esta vez modelada por las manos mágicas de Sergiu Celibidache:

Hoy cumple 185 años la Novena Sinfonía de Beethoven

2009-05-07T14:15:00.003+02:00

La Sinfonía nº 9 Op. 125 en Re menor es la última que pudo completar Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y también popular de toda la historia de la música y de toda a historia del arte. Su último movimiento, sorprendentemente inusual para la época en que fue escrito, es un monumento a la vez vocal e instrumental que se ha convertido en símbolo de la alegría y de la libertad, pero de la libertad verdadera que no debemos confundir con la falsa libertad que nos venden los actuales regímenes democráticos, que, bien analizados, son precisamente los menos libres de la historia de la humanidad (quien tenga oídos...).

Prometo no abandonar esta obra, que es la que más he estudiado y escuchado en cientos de versiones en mi vida y, en entradas futuras, os iré contando algunos secretos sagrados que contiene...

Hoy voy a dejaros un vídeo en el que el gran Celibidache explica y ensaya fragmentos de esta obra monumental...

Hoy cumple 176 años Johannes Brahms

2009-05-07T11:42:00.005+02:00

Alemán de origen, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX. En sus obras, se combina lo mejor de los estilos clásico y romántico. Estudió violín y violoncello con su padre, que era contrabajista, pero posteriormente se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo gusto conservador dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann, muy sorprendido con las composiciones de Brahms que aún no estaban editadas, escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms inició una gran amistad con Schumann y con su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann. Esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se supo, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, si hubo algo entre ellos.

Como existen cientos de referencias biográficas sobre este compositor, os invito a saber sobre él y, sobre todo a disfrutar de la magia de su música. En esta felicitación os propongo una de sus páginas que a mi más me transportan a las esferas: la Sinfonía nº 4 en mi menor, en este caso, su primer movimiento dirigido por uno de mis más adorados directores: el controvertido Carlos Kleiber.

Os espero volando por ahí arriba...

Hoy cumple 349 años Alesandro Scarlatti

2009-05-02T11:23:00.005+02:00

Alessandro Scarlatti nació en Palermo el 2 de mayo de 1660. En los libros de historia de la música aparece una fecha de fallecimiento que a partir de hoy me niego a insertar pues, los grandes maestros, siguen vivos por toda la eternidad. Es por tanto un célebre compositor italiano que con un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera, con la que ha contribuido a perfeccionar las formas del aria da capo y de la obertura italiana de tres movimientos. Es también uno de los primeros compositores en utilizar el recitativo con instrumentos, denominado recitativo acompañado, en lugar del recitativo anterior, llamado recitativo seco, con clavicembalo y órgano.
Su lista de obras es inmensa y demasiado desconocida para el gran público: tiene compuestas más de cien óperas, ochocientas cantatas italianas, numerosas serenatas para voces e instrumentos, madrigales, treinta y ocho oratorios(de los que sólo se conservan veinte), más de cien motetes y cantatas sacras, una pasión y doce misas. También compuso música instrumental: sinfonías, concerti grossi, sonatas para diversos instrumentos y piezas para órgano y clave.
Scarlatti comenzó a labrarse un nombre como compositor con tan sólo 18 años en Roma, donde produjo su primera ópera conocida Gli Equivoci nel Sembiante, en 1679, con gran éxito.

Es el padre del también famoso compositor Domenico Scarlatti.

En el siguiente vídeo, podéis escuchar mientras leéis la partitura, una de las piezas más famosas de este autor: O cessate di Piagarmi cantado por Cecilia Bartoldi.

Música para la Luna Llena del mes de Nissan

2009-04-08T11:16:00.015+02:00

Las 16:57 del jueves 9 de abril de 2009, será el momento en el que en España empiece a caminar por la constelación de Libra la primera Luna Llena de la primavera; luna del mes de Nissan para los judíos que, con su luz, magnifica la Semana Santa. La energía, en ese momento, se empieza a tornar ascendente, haciendo que esa noche, mágica, sea propicia para encender fuego y meditar observándolo.

No hay música más apropiada para disfrutar ese instante que la que Richard Wagner escribió para su magna ópera Parsifal. Esta obra, de carácter religioso a la que su autor llamó Festival Sagrado, narra cómo Amfortas, rey de los caballeros del Grial, sufre terriblemente a causa de sus pecados. Tiene una herida que no deja de sangrar y sólo un joven inocente, según la profecía, puede salvarle. Para colmo, ha perdido la lanza sagrada que en su día clavaron en el cuerpo de Jesús...

Cierra los ojos y deja que la fantasía te haga flotar mientras escuchas el

Preludio de Parsifal:

Precisamente es Parsifal el joven héroe que puede devolver la paz al monasterio de Montsalvat, al que llega el día del Viernes Santo con la lanza recuperada. Tras aplicar la lanza en la herida de Amfortas, éste se cura milagrosamente y todo vuelve a resplandecer...

Vuelve a cerrar los ojos para recibir la curación a través de una de las páginas más hegemónicas de Wagner

Encantos del Viernes Santo, del tercer acto de Parsifal:

¡Disfrutad meditando con Wagner la Luna Llena de Nissan!

Encuentro poético-musical

2009-03-30T23:53:00.010+02:00

Mi amigo Jaime García (nos conocimos hace unos años gracias al mundo del Yoga), celebra el primer aniversario de su librería

LOS LIBROS DE LA FRONTERA
C/ Fernando Viola 3 (Edificio Sevilla)
11405 Jerez de la Frontera
Teléfono/Fax: 956 185 521

con un Encuentro Poético-Musical que tendrá lugar el próximo sábado 4 de Abril a las 19:30 H. El acto será presentado por MANUEL RAMOS NIETO, y contará con los siguientes participantes:

POESÍA:
Ana Espinosa

Carmen Valladolid

Sara Gutiérrez

Julio Asencio

MÚSICA:
Alicia Parra (piano)

Jara Granado (violín y piano)

siendo estas dos últimas alumnas de Grado Medio de Música de

MUSICRY, Centro de Estudios Musicales

El cartel anunciador, reproducido al principio de este artículo, ha sido diseñado por el artista

José Luís Navarro

Felices Libros para quienes puedan acudir.

Carta del Jefe Seattle al presidente de los Estados Unidos

2009-03-29T16:41:00.012+02:00

El presidente de los Estados Unidos, Franklin Pierce, envía en 1854 una oferta al jefe Seattle, de la tribu Suwamish, para comprarle los territorios del noroeste de los Estados Unidos que hoy forman el Estado de Washington. A cambio, promete crear una "reserva" para el pueblo indígena. El jefe Seattle responde en 1855 con el siguiente texto, que reproduzco íntegramente; yo lo he leído despacio, en voz semialta y, de fondo, el Largo de la Sinfonía nº 9 en mi menor ''del Nuevo Mundo'' op. 95 de Antonín DVOŘÁK, dirigida por Sergiu Celibidache. En el siguiente reproductor, que he conseguido poner por fin después de múltiples intentos, esta vez gracias a la gentileza de la poeta y pintora Sandra Rubio, artista ya experimentada en este mundo de los blogs, podréis escuchar la misma versión que líneas atrás os sugiero:

El Gran Jefe Blanco de Washington ha ordenado hacernos saber que nos quiere comprar las tierras. El Gran Jefe Blanco nos ha enviado también palabras de amistad y de buena voluntad. Mucho apreciamos esta gentileza, porque sabemos que poca falta le hace nuestra amistad. Vamos a considerar su oferta pues sabemos que, de no hacerlo, el hombre blanco podrá venir con sus armas de fuego a tomar nuestras tierras. El Gran Jefe Blanco de Washington podrá confiar en la palabra del jefe Seattle con la misma certeza que espera el retorno de las estaciones. Como las estrellas inmutables son mis palabras.
¿Cómo se puede comprar o vender el cielo o el calor de la tierra? Esa es para nosotros una idea extraña.
Si nadie puede poseer la frescura del viento ni el fulgor del agua, ¿cómo es posible que usted se proponga comprarlos?
Cada pedazo de esta tierra es sagrado para mi pueblo. Cada rama brillante de un pino, cada puñado de arena de las playas, la penumbra de la densa selva, cada rayo de luz y el zumbar de los insectos son sagrados en la memoria y vida de mi pueblo. La savia que recorre el cuerpo de los árboles lleva consigo la historia del piel roja.
Los muertos del hombre blanco olvidan su tierra de origen cuando van a caminar entre las estrellas. Nuestros muertos jamás se olvidan de esta bella tierra, pues ella es la madre del hombre piel roja. Somos parte de la tierra y ella es parte de nosotros. Las flores perfumadas son nuestras hermanas; el ciervo, el caballo, el gran águila, son nuestros hermanos. Los picos rocosos, los surcos húmedos de las campiñas, el calor del cuerpo del potro y el hombre, todos pertenecen a la misma familia.
Por esto, cuando el Gran Jefe Blanco en Washington manda decir que desea comprar nuestra tierra, pide mucho de nosotros. El Gran Jefe Blanco dice que nos reservará un lugar donde podamos vivir satisfechos. Él será nuestro padre y nosotros seremos sus hijos. Por lo tanto, nosotros vamos a considerar su oferta de comprar nuestra tierra. Pero eso no será fácil. Esta tierra es sagrada para nosotros. Esta agua brillante que se escurre por los riachuelos y corre por los ríos no es apenas agua, sino la sangre de nuestros antepasados. Si les vendemos la tierra, ustedes deberán recordar que ella es sagrada, y deberán enseñar a sus niños que ella es sagrada y que cada reflejo sobre las aguas limpias de los lagos hablan de acontecimientos y recuerdos de la vida de mi pueblo. El murmullo de los ríos es la voz de mis antepasados.
Los ríos son nuestros hermanos, sacian nuestra sed. Los ríos cargan nuestras canoas y alimentan a nuestros niños. Si les vendemos nuestras tierras, ustedes deben recordar y enseñar a sus hijos que los ríos son nuestros hermanos, y los suyos también. Por lo tanto, ustedes deberán dar a los ríos la bondad que le dedicarían a cualquier hermano.
Sabemos que el hombre blanco no comprende nuestras costumbres. Para él una porción de tierra tiene el mismo significado que cualquier otra, pues es un forastero que llega en la noche y extrae de la tierra aquello que necesita. La tierra no es su hermana sino su enemiga, y cuando ya la conquistó, prosigue su camino. Deja atrás las tumbas de sus antepasados y no se preocupa. Roba de la tierra aquello que sería de sus hijos y no le importa.
La sepultura de su padre y los derechos de sus hijos son olvidados. Trata a su madre, a la tierra, a su hermano y al cielo como cosas que puedan ser compradas, saqueadas, vendidas como carneros o adornos coloridos. Su apetito devorará la tierra, dejando atrás solamente un desierto.
Yo no entiendo, nuestras costumbres son diferentes de las suyas. Tal vez sea porque soy un salvaje y no comprendo.
No hay un lugar quieto en las ciudades del hombre blanco. Ningún lugar donde se pueda oír el florecer de las hojas en la primavera o el batir las alas de un insecto. Mas tal vez sea porque soy un hombre salvaje y no comprendo. El ruido parece solamente insultar los oídos.
¿Qué resta de la vida si un hombre no puede oír el llorar solitario de un ave o el croar nocturno de las ranas alrededor de un lago?. Yo soy un hombre piel roja y no comprendo. El indio prefiere el suave murmullo del viento encrespando la superficie del lago, y el propio viento, limpio por una lluvia diurna o perfumado por los pinos.
El aire es de mucho valor para el hombre piel roja, pues todas las cosas comparten el mismo aire -el animal, el árbol, el hombre- todos comparten el mismo soplo. Parece que el hombre blanco no siente el aire que respira. Como una persona agonizante, es insensible al mal olor. Pero si vendemos nuestra tierra al hombre blanco, él debe recordar que el aire es valioso para nosotros, que el aire comparte su espíritu con la vida que mantiene. El viento que dio a nuestros abuelos su primer respiro, también recibió su último suspiro. Si les vendemos nuestra tierra, ustedes deben mantenerla intacta y sagrada, como un lugar donde hasta el mismo hombre blanco pueda saborear el viento azucarado por las flores de los prados.
Por lo tanto, vamos a meditar sobre la oferta de comprar nuestra tierra. Si decidimos aceptar, impondré una condición: el hombre blanco debe tratar a los animales de esta tierra como a sus hermanos.
Soy un hombre salvaje y no comprendo ninguna otra forma de actuar. Vi un millar de búfalos pudriéndose en la planicie, abandonados por el hombre blanco que los abatió desde un tren al pasar. Yo soy un hombre salvaje y no comprendo cómo es que el caballo humeante de hierro puede ser más importante que el búfalo, que nosotros sacrificamos solamente para sobrevivir.
¿Qué es el hombre sin los animales? Si todos los animales se fuesen, el hombre moriría de una gran soledad de espíritu, pues lo que ocurra con los animales en breve ocurrirá a los hombres. Hay una unión en todo.
Ustedes deben enseñar a sus niños que el suelo bajo sus pies es la ceniza de sus abuelos. Para que respeten la tierra, digan a sus hijos que ella fue enriquecida con las vidas de nuestro pueblo. Enseñen a sus niños lo que enseñamos a los nuestros, que la tierra es nuestra madre. Todo lo que le ocurra a la tierra, le ocurrirá a los hijos de la tierra. Si los hombres escupen en el suelo, están escupiendo en sí mismos.
Esto es lo que sabemos: la tierra no pertenece al hombre; es el hombre el que pertenece a la tierra. Esto es lo que sabemos: todas la cosas están relacionadas como la sangre que une una familia. Hay una unión en todo.
Lo que ocurra con la tierra recaerá sobre los hijos de la tierra. El hombre no tejió el tejido de la vida; él es simplemente uno de sus hilos. Todo lo que hiciere al tejido, lo hará a sí mismo.
Incluso el hombre blanco, cuyo Dios camina y habla como él, de amigo a amigo, no puede estar exento del destino común. Es posible que seamos hermanos, a pesar de todo. Veremos. De una cosa estamos seguros que el hombre blanco llegará a descubrir algún día: nuestro Dios es el mismo Dios.
Ustedes podrán pensar que lo poseen, como desean poseer nuestra tierra; pero no es posible, Él es el Dios del hombre, y su compasión es igual para el hombre piel roja como para el hombre piel blanca.
La tierra es preciosa, y despreciarla es despreciar a su creador. Los blancos también pasarán; tal vez más rápido que todas las otras tribus. Contaminen sus camas y una noche serán sofocados por sus propios desechos.
Cuando nos despojen de esta tierra, ustedes brillarán intensamente iluminados por la fuerza del Dios que los trajo a estas tierras y por alguna razón especial les dio el dominio sobre la tierra y sobre el hombre piel roja.
Este destino es un misterio para nosotros, pues no comprendemos el que los búfalos sean exterminados, los caballos bravíos sean todos domados, los rincones secretos del bosque denso sean impregnados del olor de muchos hombres y la visión de las montañas obstruida por hilos de hablar.
¿Qué ha sucedido con el bosque espeso? Desapareció.
¿Qué ha sucedido con el águila? Desapareció.
La vida ha terminado. Ahora empieza la supervivencia.

Beethoven ante el televisor

2009-03-23T16:49:00.008+01:00

Hace cierto tiempo, adquirí un libro de José Hierro conteniendo una colección de poemas dedicados a la música. Entre ellos, quedé prendado del que hoy reproduzco aquí; no me canso de recitarlo en voz alta y no me canso de "oír" en mi interior la música a la que se refiere cada vez que lo leo. El poema lleva el título BEETHOVEN ANTE EL TELEVISOR y suena así:

El alemán de Bonn identificaba
todos los sones de la naturaleza:
el del mar, el del río, el del viento y la lluvia,
el canto del ruiseñor, el de la oropéndola, el del cuco.
Un día, cantó un ave, y él no oía su canto:
fue la primera señal de alarma.
Luego avanzó implacable la sordera
hasta desembocar en la noche de los sonidos.
Compuso, desde entonces, imaginándolos.
Nunca pudo escuchar su misa en Re,
sus últimos cuartetos, su última sinfonía.

Luis van Beethoven murió en mil ochocientos veintisiete
(es lo que piensan los desinformados),
pero yo lo he visto en el Lincoln Center.
Fue en los años noventa. Ocupábamos
asientos contiguos. Yo lo reconocí
por su expresión huraña y tierna y feroz.
Y también por el desaliño de que nos hablan sus biógrafos.
Escribí en mi programa estas palabras:
«Excelente concierto». Y él asintió:
«No se moleste en escribir, oigo perfectamente».

Después, en el descanso, hablamos de su música,
(sin duda se dio cuenta
de que acababa de reconocerlo).
Avisaron que había que volver
a la sala para escuchar el plato fuerte:
la Novena. Pero él, van Beethoven,
dio media vuelta y se marchaba.
«Pero, ¿precisamente ahora?» le pregunté.
«Yo regreso al hotel. Voy a escuchar
la Novena Sinfonía en el televisor,
la transmiten en directo», contestó.
«¿Me permite que le acompañe?», dije.
Y se encogió de hombros.

Pues aquí acaba todo.
Nos sentamos ante el televisor.
Escuchamos el golpe de la batuta
sobre el atril. Silencio. Y la orquesta rugió.
Entonces, Ludwig van Beethoven
se levantó y apagó el sonido.
Ahora si que el silencio era absoluto.

Canturreaba a veces, levantaba la mano
para indicar la entrada a los timbales
en el scherzo. Lloró con el adagio,
enardeció cuando cantaba el coro
las palabras de Schiller.
Yo nunca podré oír, nadie podrá
lo que él oía. Finalizó el concierto.
Fue entonces cuando se levantó,
y se acercó al televisor,
recuperó el sonido.
las cámaras enfocaban ahora
al público enardecido.
Van Beethoven oía, en mil novecientos noventa,
los aplausos que no podía oír en Viena,
en mil ochocientos veinticuatro.

José Hierro [Cuaderno de Nueva York (1998)]

La Consagración de la Primavera

2009-03-16T11:13:00.009+01:00

La Consagración de la Primavera

Grabado de Anhelo Hernández 0,75 x 0,57

"La sala se comportó como era previsible y se sublevó inmediatamente. Se reía, escupía, silbaba, repetía versos brutales; quizás el alboroto hubiera cesado si el grupo de los estetas y algún miembro de la orquesta no hubiesen replicado con insultos y amenazas al público de los palcos. La algarada, entonces, degeneró en pelea [...]. Tampoco ayudaba demasiado la confusa coreografía del, por otro lado, gran bailarín Vaslav Nijinski, criticada por el mismo compositor, por lo que la velada se saldó con un cruento fracaso. No obstante, una persona estaba feliz en todo ese maremágnum de gritos e imprecaciones. Era el empresario Sergei Diaghilev, el creador de los Ballets Rusos."

Así recordaba el escritor Jean Cocteau la velada del 29 de mayo de 1913 que figura en los anales como el día en que nació la música del siglo XX, con el estreno de "La Consagración de la Primavera". Existe mucha música ideal para harmonizar el instante en que se produce el equinoccio de primavera, que este año será el día 20 de marzo a las 13: 44, hora peninsular española. Yo personalmente, me elijo para una de las primaveras más ansiadas por mí tras un duro invierno, esta obra que Stravinski ideó tras una fugaz visión onírica:

"Soñé con una escena de ritos paganos en la que una virgen elegida para el sacrificio danza hasta la muerte".

De este sueño surgen estas "escenas de la Rusia pagana", en las que se celebra el despertar de la primavera revivificadora. Desde los primeros compases, Stravinski nos lleva hacia un ambiente arcaico y primitivo, a través de una harmonía, un ritmo y una instrumentación inauditos para el público del momento del estreno. Esta arrebatadora, bárbara y asombrosa partitura, para que os sirva de guía para su escucha, se compone de las siguientes divisiones:

Parte I: Adoración de la Tierra.

Introducción: el fagot, en un registro insólitamente agudo, expone una melodía tomada de una colección de cantos lituanos. Se van añadiendo más instrumentos de viento hasta formar una gran algarabía con superposiciones de distintas tonalidades y ritmos. Al llegar la tensión a su máximo apogeo, el fagot vuelve a tocar el tema dando paso a
Los augurios primaverales - Danza de las adolescentes: las cuerdas, percutiendo agresiva y rítmicamente, sostienen apariciones y desapariciones de pequeños motivos que en ningún momento recuerdan algún atisbo de tema.
El juego del rapto: acentuación del clima de salvaje frenesí, en el que las trompas, efectúan llamadas propias del mundo de la caza.
Rondas primaverales: un momento de sosiego, lento y misterioso, con cierto aire procesional, que poco a poco va intensificándose para preparar los
Juegos de las tribus rivales: desenfrenada carrera en la que dos temas se oponen en una creciente animación.
Cortejo del sabio - Adoración de la tierra - El sabio: ominosa marcha con un pesado ostinato que se interrumpirá bruscamente. Unos compases callados y misteriosos son rotos por un redoble de tambor que da paso a la
Danza de la Tierra: con su demoledor crescendo en el que la cuerda, a velocidad vertiginosa, vuela sobre una fanfarria de los vientos que culmina seca y violentamente.

Parte II: El sacrificio.

Introducción: bellísima pagina orquestal de impensables colores sonoros con un sólo de trompeta en piano sobre el que se levantan arabescos en las maderas, creando un aire misterioso, una atmósfera de encantamiento arcaica y poética.
Círculos misteriosos de las adolescentes: se mantienen los colores y sabores de la Introducción.
La glorificación de la elegida: estalla de nuevo el ritmo de forma salvaje y agresiva con contrastes entre las sonoridades sobreagudas de las flautas y el flautín con las graves de los timbales y las medias de las trompas. Un brutal acorde da paso a la
Evocación de los antepasados: un austero y conciso coral del metal es contestado por la cuerda bajo el redoble de los timbales.
Acción ritual de los antepasados: inalterable movimiento procesional con frecuentes e imprevistos cambios dinámicos culminado por un solo del clarinete bajo.
Danza sagrada - La elegida: se inicia con un cortante acorde de la cuerda. La apoteosis rítmica vuelve, con una creciente tensión gracias a una pulsación muy marcada y a inquietantes contrastes tímbricos entre metales y cuerdas. La flauta, en un sencillo arabesco ascendente contestado por un violento acorde de toda la orquesta, pone punto final a esta impresionante obra.

Para disfrutarla, existen numerosas grabaciones para todos los gustos; usad vuestro instinto para elegir la que más os pueda llenar. También existen numerosos vídeos realizados por ballets de todo el mundo. En Youtube podréis encontrar muchos fragmentos de todos los colores.

Mientras escribía este artículo, la he ido escuchando en una versión dirigida por Pierre Boulez, que es la que ha ido inspirándolo.

¡Feliz equinoccio primaveral 2009!

Música para la Luna llena de Marzo

2009-03-07T19:29:00.006+01:00

Portada de Mozart, El Gran Mago de Christian Jacq

El miércoles 11 de marzo, hacia las 3:39 hora española, la Luna Solar del Jaguar que inició el sábado 7 su noveno mes (ese día fue la noche azul rítmica de los Mayas) estará completamente llena en la constelación de Virgo.

La música ideal para esa madrugada, además de la que cada intuición designe, ha de estar en Re menor, tonalidad femenina de Virgo, representativa de la maternidad espiritual de los dioses.

Yo particularmente me voy a escoger el Requiem en Re menor para solistas, coro y orquesta KV 626 de Wolfgang Amadeus Mozart, por diversas razones: Mozart tenía el ascendente en Virgo (Fa mayor/Re menor), lo que musicalmente lo hacía perfecto pues su signo solar era el de Acuario (Sib mayor/Sol menor); las tonalidades de Virgo, en la harmonía clásica son las llamadas dominantes de las tonalidades de Acuario. No escribe demasiado Mozart en Re menor; tampoco en Sol menor, pero cuando lo hace, se trata siempre de Poesía Musical especialmente espiritual y con bastantes connotaciones ocultas (no olvidéis que, de 41 Sinfonías, sólo dos están en modo menor y ambas en Sol). Sol menor es la tonalidad femenina de Mozart y su dominante, nada menos que Re menor, la que ya he invitado ha hacer resonar en esta noche mágica del día 11.

El Requiem, al contrario de lo que la mayoría podría pensar (¿alguna vez han tenido razón las mayorías?) no es música de difuntos; es música de renacimiento, de REENCARNACIÓN, pues la muerte, para los poetas, no existe... En esta obra caminan las tonalidades mejor relacionadas con Re menor. Vamos a recordar como respira cada uno de los números de que se compone:

Introitus (Re menor)
Kyrie (Re menor; el tema principal dibuja la estrella de cinco puntas)
Sequenz: Dies irae (Re menor); Tuba mirum (Sib mayor); Rex tremendae (Sol mayor); Recordare (Fa mayor); Confutatis (La menor); Lacrimosa (Re menor picarda)
Offertorium (Sol mayor)
Sanctus (Re mayor)
Benedictus (Sib mayor)
Agnus Dei (Re mayor)
Communio: Lux aeterna (Re menor); Cum Sanctis tuis (Re menor; reaparece la estrella de cinco puntas y el último acorde es harmonizado sin tercera, por su discípulo Süssmayer quien lo acabó siguiendo las directrices de Mozart, simbolizando el paso de una vida a otra)

Relacionado con Mozart, no quiero terminar este pequeño artículo sin recomendaros una obra literaria muy documentada que recoge los aspectos más esotéricos de su vida. Se trata de la biografía novelada en cuatro tomos del doctor en egiptología por la Sorbona Christian Jacq, editada en español por Planeta internacional con los siguientes títulos:

Mozart, el Gran Mago
Mozart, el Hijo de la Luz
Mozart, el Hermano del Fuego
Mozart, el Amado de Isis

La obra ya ha sido editada también en bolsillo y podéis encargársela a vuestro librero de cabecera.

¡Que disfrutéis de esta semana mágica!

JUAN JOSÉ en Radio Clásica

2009-03-03T23:22:00.002+01:00

Lo prometido no es deuda, porque ya está aquí.
La ópera de Pablo Sorozábal JUAN JOSÉ, será retransmitida a través de Radio Clásica el domingo 22 de marzo a las 11.00 horas, a través del programa Concierto especial.

La grabación la podremos oír desde el Auditorio Nacional de Música de Madrid que, bajo el título de Ciclo de Jóvenes Orquestas fue realizada el pasado día 23 de Febrero de 2009.

Que la disfrutéis.

Por fin se ha estrenado la ópera "JUAN JOSÉ" de Sorozábal

2009-03-01T11:53:00.008+01:00

Pablo Sorozábal

El pasado día 21 de febrero, a las 20 horas, en el Auditorio Kursaal de Donostia, tuvo lugar por fin el esperado estreno absoluto de Juan José, Drama Lírico Popular de Pablo Sorozábal (1897-1988). Concebido a partir de la obra teatral homónima de Joaquín Dicenta (1863-1917), estrenada en 1895 e interpretada a menudo en los años siguientes, Juan José era considerada por su autor como una de sus mejores obras, a la que pudo dedicarse en cuerpo y alma en su madurez, liberado ya de toda necesidad económica que tanto limita al arte. El retraso en su estreno, motivado por un imposible entendimiento del compositor con la ineptitud política y funcionaria de este país, le causó grandes disgustos. Tampoco en este caso se ha tratado de un estreno completo, pues Juan José se interpretará en versión concierto teatralizado bajo la dirección artística de Ignacio García. Al menos la obra ya ha visto la luz y pronto la podremos escuchar en diferido por Radio Clásica.

El estreno ha estado a cargo de la Orquesta Sinfónica de Musikene bajo la dirección musical de José Luis Estellés, repitiéndose dos días después, el 23 de febrero (vaya fechita... No tuvieron bastante haciéndole entre todos -fascistas y demócratas- la vida imposible al Maestro, que también se le escogen fechas con segundas...) en el Auditorio Nacional de Madrid.

Un importante elenco que, según he oído ha rebajado su caché para que todo sea posible, ha tenido el honor de poner en vibración el estreno: Manuel Lanza (Juan José), Ana María Sánchez (Rosa), Maite Arruabarrena (Isidra), Olatz Saitúa (Toñuela), Celestino Varela (Andrés), José Luis Sola (Paco), Simón Orfila (Cano), Alberto Núñez (Perico y Bebedor), Emilio Sánchez (Tabernero y Presidiario), Mario Cerdá, Iñigo Vila, Elena Barbé, Consuelo Garrés, Miren Urbieta (amigos y amigas), a los que se suma el actor y presentador Constantino Romero, en calidad de narrador.

Si nuestra administración tiene la suficiente vergüenza, espero que muy pronto esta obra se estrene en las condiciones necesarias en el Teatro Real, que sería el lugar idóneo para su escenificación y, ya que el maestro no pudo llevarse la merecida alegría en vida, al menos que su familia (su hijo y su nieto también son músicos y llevan su mismo nombre -Pablo Sorozábal-) lo puedan disfrutar.

He tenido el placer y el honor de dirigir algunas de sus obras más famosas (La Tabernera del Puerto, Katiuska, La del Manojo de Rosas y diversos fragmentos de otras composiciones) en diversos teatros de España, saboreando siempre su genial aportación al teatro lírico español pues, no sólo ha sido uno de los más grandes del género que conocemos con el nombre de "zarzuela", sino que ha sido un innovador que introdujo muchos elementos del lenguaje musical de principios del siglo XX, sin que por ello sus obras perdieran popularidad que ya es difícil.

Estoy tratando de averiguar qué día la retransmiten por Radio Clásica para no perdérmela y que también la podáis disfrutar los lectores de este blog.

Música para la última Luna Nueva del invierno

2009-02-25T17:29:00.009+01:00

Frédéric Chopin

Hoy se inicia el último ciclo mensual de este invierno difícil para la salud. Al ser un día de Luna Nueva, no es en absoluto propicio para inicial nada nuevo; es un día de profunda transformación interior. Un momento pasivo, receptivo. Las energías físicas están en su mínimo, la disposición corporal para la desintoxicación, en su punto máximo. Es el momento perfecto para dejar partir todo lo viejo. Para los sabios ancestrales, es un día ideal para el ayuno y la meditación.

¿Qué música puede hoy ayudarnos a meditar, a contemplar pasivamente, a esperar que las energías vuelvan a recargarse?

¡NADA MEJOR QUE CHOPIN!

¿Y Por qué Chopin? Pues principalmente porque este último tramo de invierno, nuestros ojos perciben al sol pasando a través de la constelación de Piscis y, para colmo, la presente Luna Nueva también está en Piscis y, Chopin, ¡ERA PISCIS!

De la inmensa producción chopiniana, os aconsejo para oír mientras brille el sol trayéndonos energías creadoras el preludio Op. 28 nº 11 en Si mayor, tonalidad en la que resuena Piscis; para cuando el sol se ponga y la noche oscura nos ayude a adsorber esas energías y a transformarnos en un lago de relativa calma vivaz (calma chopiniana), lo mejor será saborear el Op. 28 nº 12 en sol# menor, lado sonoro femenino de Piscis. Por supuesto, cualquier otra obra en estas tonalidades nos ayudarán a meditar y a recargar nuestras energías.

Coincide también esta Luna Nueva con la celebración cristiana del miércoles de ceniza, color que se adapta muy bien a Chopin, eternamente enfermizo.

Si queréis disfrutar plenamente mientras esta Nueva Luna se va poco a poco llenando hasta el día 11 de marzo, en que culminará su crecimiento, otros compositores Piscis que os ayudarán en todas sus fases (Luna semilla/sembrar; Cuarto creciente/regenerar; Luna creciente/mostrar; Luna llena/plenitud) son: Georg F. Haendel, Maurice Ravel, Nikolai Rimski-Korsakov, Gioacchino Rosini, Bedřich Smetana, Georg Ph. Telemann y Antonio Vivaldi.

Permitid a vuestra intuición escoger a cada maestro en cada momento idóneo.

Feliz evolución.

El Lenguaje y la Música

2009-02-18T10:19:00.003+01:00

Edgar Willems, Maestro de mi Maestro Jacques Chapuis (ver en este mismo blog "Les élèves veulent savoir", publicado el 3 de febrero de 2009), estudió profundamente los elementos fundamentales de la Música, uniéndolos a los de la naturaleza humana. Con su sistema pedagógico-musical, desarrollado hoy por numerosos países a través de la Asociación Internacional de Educación Musical Willems, contribuyó a reconsiderar, a la luz de una nueva mentalidad científica, el concepto de Educación Musical defendido por Platón, Damón y los pitagóricos, según el cual la Música, como formadora del alma, es capaz de harmonizar al hombre con sí mismo, con la naturaleza y con el cosmos.

Su experiencia y su pensamiento ha quedado reflejado en una serie de libros de los que de vez en cuando daré referencias. Hoy, de su obra El Valor Humano de la Educación Musical, extraigo un esquema titulado El Lenguaje y la Música, en el que se comparan ambos. Deseo que deleite a músicos, educadores, alumnos y personas inquietas en general; el libro completo, por tan sólo 13 €, se puede adquirir a través de Editions Pro Music (en España, Eulàlia Casso os atenderá en el teléfono 93 340 40 65 ó a través del correo editionspromusica@hotmail.com) y por supuesto también lo podéis adquirir por medio de vuestro librero de cabecera habitual. Un libro tan suculento (y tan barato) no debe faltar en la biblioteca privada de ningún músico; así que, animáos a saborearlo lo antes posible.
El esquema anteriormente citado es el siguiente:

La educación musical debe seguir las mismas leyes psicológicas que las de la educación del lenguaje, según el cuadro siguiente:

Todo esto, para la música, practicando desde la infancia las canciones, un instrumento melódico, un instrumento harmónico, así como también el solfeo; y más tarde, el canto.

Música de las Esferas en RADIO CLÁSICA

2009-02-15T15:56:00.006+01:00

Ana Vega Toscano

Directora y presentadora del programa de Radio Clásica

MÚSICA DE LAS ESFERAS

Radio Clásica, de Radio Nacional de España, es un milagro repleto de magia que todos debemos disfrutar. Emisora variadísima, recoge en su programación la practica totalidad de la música de calidad y no sólo la llamada Música Clásica de todas las épocas y estilos, sino también las Músicas del Mundo, el Jazz, el Flamenco, y mucho más...

De sus programas, tejidos por una maravillosa plantilla de profesionales del periodismo musical, voy a recomendaros uno que se ajusta bastante a este blog y, que desde hoy, vais a poder disfrutar si miráis en esta misma página a la derecha, bajo el Himno a San Juan Bautista, haciendo funcionar el reproductor que ahí encontraréis: se trata de MÚSICA DE LAS ESFERAS, cuya presentación en la web de RTVE dice así:

La noche ha sido tradicional aliada de la fantasía y de la magia. En su silencio podemos escuchar sonidos que el día apaga en su incesante devenir, y nos invita a recogernos y soñar con su manto de oscuridad. Al sonar las doce campanadas de la medianoche, en Música de las Esferas les proponemos realizar un viaje musical hacia la imaginación, el esoterismo, la espiritualidad, para visitar esos otros mundos que se ocultan en nuestro interior. Nuestro espacio se llenará de seres fantásticos, de relatos misteriosos, buscará el recogimiento de la meditación o el más arcano de los caminos espirituales para compartir con los hermanos de la noche.

Presentado y dirigido por Ana Vega Toscano, pianista, compositora, musicóloga y periodista de RTVE, lo podréis escuchar los domingos de 00.00 a 1.00 h. o en su repetición de los lunes, de 4.00 a 5.00 h. Si estos horarios os vienen regular, yo periódicamente incluiré en Philharmonía de las Esferas los podcasts disponibles en la web de RTVE. No cerréis esta página para poder disfrutar del programa en su totalidad mientras hacéis otros menesteres.

¡A disfrutar!

Ustedes son, eso... profesores...

2009-02-14T19:57:00.007+01:00

Amadeo Vives

Hace unos años, viviendo una de esas esperpénticas escenas en las que, ciertos profesionales de la Música (no siempre MÚSICOS), discutían en una reunión de trabajo, muy indignados, porque la institución a la que pertenecían los había incluido en su catálogo laboral con la categoría de "Músico" y no con la de "profesor" que, según ellos era más acorde a su dignidad, recordé una anécdota que había leído una vez contada por el Director de Orquesta catalán Antoni Ros Marbá, refiriéndose a su genial paisano, el Maestro Amadeo Vives, ocurrida a principios del siglo XX durante un ensayo de la Orquesta Sinfónica de Barcelona, hoy Nacional de Cataluña.

El Maestro Vives, admirado por muchos y odiado por demasiados antimúsicos que viven de la MÚSICA, es muy conocido hoy día por algunas de sus obras magistrales del teatro lírico español, que aún llenan los auditorios no sólo de España, sino también de diversos países en los que la cultura musical brilla como noche de luna llena de principios de estío. Su Comedia Lírica "DOÑA FRANCISQUITA", basada en "La Discreta Enamorada" de Lope de Vega, rebosa una música superior en categoría a muchas óperas italianas famosas y ha sido traducida con éxito a diversos idiomas, siendo representada habitualmente en los más prestigiosos teatros de ópera del mundo. Pero, no siempre en vida un artista interesante es bien tratado por sus contemporáneos; los ejecutantes técnicos que cumplen horas ante un atril mirando el reloj y rumiando entre dientes las mejoras sindicales que creen merecer, nunca podrán comprender a músicos entregados como el Maestro Amadeo. Éste, harto de muchas impertinencias, en numerosas ocasiones y de manera cortante, abofeteaba con su punzante oratoria a quienes, equivocados de vocación, zancadilleaban continuamente la evolución de lo auténtico.

Volviendo a la anécdota que anunciábamos anteriormente según la pluma de Ros Marbá, resultó que cierto día, tras subir al podio para dirigir los ensayos de la citada orquesta, Vives saludó a sus componentes de la siguiente manera:

-¡Buenos días (o tardes, que para el caso es lo mismo) señores músicos!...

Un revuelo, un rumor venenoso, recorrió en pocos segundos la sala de ensayos. Tomó la voz el portavoz de la orquesta, muy indignado, dirigiéndose a su director:

-Maestro, no vamos a permitir que nos llame "músicos", pues para nosotros el tratamiento que sabe que debe usar es el de "profesores"...

Sin perder la calma, sacando toda la socarronería que tenía en el bolsillo, el maestro respondió:

-Tiene usted mucha razón; músicos eran Mozart, Beethoven... Ustedes son, eso... profesores...

Sincronicidad

2009-02-07T11:23:00.008+01:00

Manuel Castillo

Hace unos días, cuando escribía de memoria sobre mi Maestro Manuel Castillo, recordaba (sería mejor decir "abadrocer") un concierto en el que él mismo tocaba como solista una composición propia. La memoria no escrita es traviesa y, a veces, borra lo que no quiere recordar o revuelve con una sonrisa pícara lo que hubiese querido recorvar.

Lo cierto es que mis recuerdos eran acertados, aunque recorvados; la SINCRONICIDAD, igual de traviesa que la memoria, hizo esta semana de las suyas, poniendo ante mis narices un CD que mi compañero y amigo, el compositor Julio Lozano (también discípulo de Castillo), traía para ponerlo en audición a sus alumnos. En el CD figuraba el CONCIERTO Nº 1 PARA PIANO Y ORQUESTA DE MANUEL CASTILLO, justo el mismo (me decía Julio recordando/recorvando aquel evento de hace tantos años) del que yo evocaba un fugado mágico rememorado al revés: al volverlo a escuchar, el tema empezaba en las cuerdas agudas para ir pasando paulatinamente hacia las graves (y no de las graves a las agudas como yo escribía días atrás); lo dicho, mis recuerdos eran acertados, aunque recorvados.

Para quienes lo quieran disfrutar, desde aquí sólo os puedo dar las siguientes pistas caratuleras. Encontrarlo es misión de cada cual y, todas las misiones son DIFÁCILES pues, quién busca, encuentra. Ahí van:

Les élèves veulent savoir!

2009-02-03T19:13:00.013+01:00

Jacques Chapuis

La trilogía de mis Maestros principales y especialmente queridos, se completa con un hombre inmenso que me abrió de par en par las puertas de lo más profundo y sublime de la música, de su unión con la naturaleza y con el cosmos y de su conexión con la actividad cotidiana en todos los parámetros de la vida, incluidos los curativos.

Conocí a Jacques Chapuis en Salamanca, durante un congreso de Educación Musical Willems, organización que presidió hasta su inesperada muerte en junio de 2007. Durante seis años, estudié periódicamente con él y con su esposa Béatrice los aspectos más fascinantes de la Música y su educación. Sus clases eran conferencias mágicas; sus conciertos pedagógicos, resucitaban a cada compositor disertado, a través de sus palabras justas, en las que nunca faltaba ni sobraba nada y, sobre todo, a través de su enorme fisonomía extrayendo del piano la lectura "entre notas" que ya predicó Mozart en numerosas ocasiones. Son tantos los recuerdos, que habría para un gran libro que ojalá algún día tenga tiempo de escribir, siempre que mi principal actividad profesional (la Educación a través de la Música) me lo permita.

El último día que lo tuve como profesor, mientras me examinaba de las durísimas pruebas necesarias para obtener el Diploma de Pedagogía Musical Willems, entre otras cosas me dijo estas palabras que quedaron grabadas tan nítidamente en mí, que cada vez que tengo dudas o contratiempos las oigo como si me las estuviera diciendo en directo: -"LES ÉLÈVES VEULENT SAVOIR! (¡Los alumnos quieren saber!)... Esta especie de mandato evangélico sigue vivo en mí a pesar de entrar a veces, desgraciadamente, en conflicto con los equivocados intereses materialistas de mis mundanos superiores laborales (¡PADRE, PERDÓNALOS PUES NO SABEN LO QUE HACEN!), que a veces me han llegado a ordenar incluso que me baje a la mediocridad. Les élèves veulent savoir!, LES ÉLÈVES VEULENT SAVOIR!, señores políticos y funcionarios... Mi egoísmo personal, así como el egoísmo de aquellos que "no saben lo que hacen", es claramente inferior a este mandato sabio de Jacques, que trato de cumplir todos los días posibles dentro de mis pequeñas posibilidades.

Para que se hagan una idea de la grandeza de Jacques Chapuis, dentro de lo mucho que podría escribir sobre él, les contaré una vivencia impresionante que tuve el honor de respirar un Domingo de Ramos de principios de milenio: llegamos a Madrid los alumnos habituales a estudiar con el Maestro durante ese fin de semana programado, cuando nos enteramos que el segundo de sus hijos había fallecido el jueves anterior; lejos de faltar a su cita pedagógica, tras haber estado junto a su hijo hasta el fatal desenlace, viajó al día siguiente hacia Madrid para no faltar a su deber de educador de educadores; estaba más cansado de la cuenta, pero se le veía hacer un gran esfuerzo para que sus enseñanzas no fueran enturbiadas por la pena interna que lo devoraba. Antes de despedirnos hasta el próximo encuentro, le hicimos entrega de un ramo de flores a él y a su esposa, pues también coincidía ese domingo con el aniversario de boda de ambos y, en ese instante, nos contó cómo había pasado todo; nos habló de las cualidades de su hijo (era ya el segundo que se le moría de cancer de garganta, por culpa del tabaco), nos dijo incluso que las ganas de vivir que había tenido siempre le habían hecho adquirir, ya en fase terminal, unas entradas para un concierto que le interesaba, cuya fecha precisamente coincidió con el día de la muerte, concierto al que evidentemente no pudo asistir en cuerpo, pero seguro que sí asistió en alma... Me impresionó como, sin perder la sonrisa, nos confesaba lo duro que era ese instante en el que la Naturaleza se invertía, pues "no era natural -decía- que los hijos se fuesen antes que los padres". Nos contó también que el entierro no tendría lugar hasta el martes, pues había que trasladarlo desde el país en que había residido (no recuerdo bien si Francia o Alemania) hasta Suiza, patria de los Chapuis. Así, tuvo tiempo de estar junto a su hijo hasta el jueves, venir a Madrid y posteriormente volver a Suiza para enterrarlo. En medio de todo esto, le cogió una huelga de transportistas (que poco saben los huelguitas de las leyes del Universo, que poca paciencia tiene el ser humano poco evolucionado para comprender que el secreto está en la evolución, que es lenta pero segura, espiritual y pacífica y no en la revolución, que es rápida pero diabólicamente sangrienta) que estuvo a punto de impedir que Jacques pudiera estar con su hijo en ese instante cumbre. Pero el Universo ayudó a Jacques que, al final, tozudo como en toda su vida, logró romper la barrera de la sin razón egoísta y logró llegar a tiempo a Suiza.

Si alguno de esos "que no saben lo que hacen" leen este artículo, podrán comprender mi desobediencia a bajar a la mediocridad pues, alguien muy elevado, un día me dijo que LES ÉLEVES VEULENT SAVOIR!

Gracias por todo Jacques; nunca seré tan grande como usted pero, si puede verme desde donde esté, no dude en reñirme cada vez que flaquee y no dude repetirme en voz alta todas las veces que lo estime oportuno que

LES ÉLÈVES VEULENT SAVOIR!

Taller de Introducción a la Musicoterapia

2009-02-02T14:01:00.008+01:00

impartido por

JUAN CARLOS GAMINO

Sábado 21 y domingo 22 de febrero de 2009

Lugar:

C/ Campana nº 20 – Jerez de la Frontera
Información y reservas:

juancarlosgamino@hotmail.com

Tf: 662 387 300

o en la Secretaría de MUSICRY

El Taller de Introducción a la Musicoterapia que presentamos resume y compendia, por una parte, lo más significativo de la ideas del profesor Edgar Willems, psicopedagogo musical del siglo XX que, en su preocupación por unir los elementos fundamentales de la música con los de la naturaleza humana, reconsideró, a la luz de una nueva mentalidad científica, los conceptos ya defendidos por Platón, Damón y los pitagóricos, según los cuales la música, como formadora del alma, contribuye a una mejor harmonía del hombre con sí mismo, con la naturaleza y con el cosmos. Willems defendía que la terapia musical o musicoterapia, debía tenerse en cuenta desde el doble aspecto material y espiritual de la música.
Por otra parte, lejos de desdeñar lo aún desconocido de las leyes de la naturaleza, se profundizará en el poder energético de la propia música, aspecto ya conocido por muchos maestros del pasado e intuido por otros, para vivir personalizadamente a través de una cuidadosa elección de piezas musicales afines, el deleite de harmonizarnos paulatinamente con el Universo.
El siguiente temario revela los contenidos que vamos a trabajar anteponiendo la práctica ante la teoría, obedeciendo así a un sentido común global de la vida, porque sabemos hasta qué punto la mayoría de las cosas se llevan a cabo antes de conocer su naturaleza profunda.

Temario

La Musicoterapia:
Historia de la curación a través de la música.

La Música y sus elementos fundamentales:
El sonido y su poder curativo (Sonoterapia).
El ritmo y su poder sobre nuestra vida fisiológica (Ritmoterapia).
La melodía y su poder sobre nuestra vida afectiva (Meloterapia).
La harmonía y su poder sobre nuestra vida mental y espiritual (Harmonoterapia)

Música y energía:
Los chakras y la música.
La astrología y la música.

Música y lenguaje:
La consciencia de la voz.
La voz y los elementos de la naturaleza. (Fuego, Tierra, Aire, Agua y Éter)
Revitalización de la voz.

Música y movimiento:
La danza y la expresión corporal (Danzaterapia)

El “botiquín” musical:
La elección personalizada de piezas musicales afines a nuestras necesidades curativas.

Plan de trabajo

El Taller de Introducción a la Musicoterapia, tendrá una duración de 12 horas, repartidas en dos días consecutivos:

Sábado 21 de febrero de 2009
Jornada matinal: de 10 a 14 horas.
Jornada vespertina: de 16 a 20 horas.

Domingo 22 de febrero de 2009
Jornada matinal: de 10 a 14 horas.

Los asistentes no necesitan conocimientos previos de música. Se asistirá al taller con ropa cómoda, para facilitar el movimiento. Cada participante recibirá un manual con el temario desarrollado y un certificado de asis-tencia con las horas de trabajo reflejadas.

Matriculación

El precio del taller es de 90 €. La reserva de plaza se hará por teléfono, por correo electrónico o en la oficina de MUSICRY, Centro de Estudios Musicales. Será necesario un pago previo de 20€ en el momento de solicitar la reserva, pagándose el resto el primer día del taller. Las plazas son limitadas, admitiéndose a cada participante por riguroso orden de ingreso.

LOS ALUMNOS DIPLOMADOS DE EDICIONES ANTERIORES PUEDEN ASISTIR GRATUITAMENTE, PREVIA SOLICITUD, SI EL AFORO DEL NUEVO TALLER LO PERMITE.

¡¡¡Puñetah, ehte tío me va a vorvé otra ve loco!!!

2009-01-30T11:06:00.002+01:00

Manuel Castillo

La Orquesta Bética Filarmónica de Sevilla visita Jerez a principios de los años ochenta. Acudo ansioso a la Catedral, lugar del concierto, para saciar mi hambre y sed de música en directo.

De aquel día, mi disco duro cerebral recuerda una de las piezas programadas, sólo una... Se trataba de un Concierto para Piano y Orquesta cuyo solista estaba encarnado por el mismo compositor, un señor meditabundo, con la mirada perdida en lo infinito que, cuando tocaba el piano, daba la sensación de elevarse con él en una nube que viajaba flotando por todo el recinto para dejar caer, en forma de lluvia philharmónica, suaves melodías muy ricas en variados colores rítmicos, tricotadas en polifónicas caricias melodramáticas de las que me impactó especialmente un fugado desde las cuerdas graves a las agudas, insertado en el movimiento lento.

Pocos años después, matriculado en Composición e Instrumentación en el Conservatorio Superior de Sevilla, me convierto en alumno del mismo compositor-pianista, del que, durante algunos años, pude disfrutar los últimos momentos de su magisterio.

Manuel Castillo era su nombre (su renombre, pues está considerado como uno de los compositores españoles del siglo XX más interesantes) y, sólidos como un castillo precisamente sus conocimientos. No olvidaré jamás algunos análisis de ciertas obras maestras que tuve el honor de comprobar junto a él.

En la última estapa de su vida educativa, sufría una depresión provocada por las disonancias propias de la vida, que en su aspecto material aún ha de aprender a equilibrar a través de un cuerpo calloso imaginario, con su aspecto espiritual.

Un día me contó que, con veinticinco años decidió hacerse sacerdote, abandonando incluso a su novia, para ingresar en el seminario. Años después, sufría cuando decía misas, no podía soportar que su evolución como Ser Humano se iba alejando día tras día de las rígidas doctrinas tergiversadas de la institución religiosa a la que pertenecía; no pudiendo resistir mentir todos los días a la congregación, decidió colgar los hábitos, para volver a la vida seglar.

Esos años lo marcaron tanto, que al final, la siempre impertinente depresión, se empeñó en hacerle compañía en su soledad. Muy recuperado, un día me confesó que, tras haberle yo presentado una de mis enredadas composiciones juveniles en las que la búsqueda de la originalidad se confundía con la rareza de cierta mezcla deshármónica, su cabeza volvío a dar vueltas depresivas por un momento a la vez que, con su marcado acento andaluz y sin perder nunca su jovialidad y gran sentido del humor me decia que pensó: -¡¡¡Puñetah, ehte tío me va a vorvé otra ve loco!!!-

¿Te viene bien a las ocho de la mañana?

2009-01-28T18:17:00.002+01:00

Joaquín Villatoro

Gratos recuerdos invaden mi espíritu cuando, traspasando el umbral de entrada a una nueva librería abierta en mi ciudad natal, vuelvo a oír resonando dentro de mí la voz de mi recordado Maestro de juventud, D. Joaquín Villatoro: -¿Te viene bien a las ocho de la mañana?- me decía con su acento universal marcado por numerosos viajes, mezclado con cierto aroma andaluz revoloteando entre semicorcheas y trinos y aderezado con una profunda mirada beethoveniana, que me ha hecho pensar siempre en una posible reencarnación...

En efecto, a las ocho de la mañana me citaba para impartirme una de sus clases, siempre magistrales, en las que la música acababa unida a la filosofía, a la política y a todo saber que en cada instante asomara por su estudio, por su aparentemente desordenado estudio de la Plaza Vargas en el que, sin embargo, un orden harmónico vibraba ayudado por las cuerdas de su piano de cola repleto de papeles pautados y presidido por un busto de Beethoven (¿su anterior encarnación?).

La nueva librería (Hojas de Bohemia) no podía haber elegido mejor emplazamiento para iniciar su camino: justo el lugar que treinta años atras acogía el simpático estudio de mi Maestro, estudio que vió nacer sus últimas composiciones y que, tras su marcha a Madrid una vez jubilado, no quiso ser ocupado por ningún tipo de negocio que no respirara por todos sus poros una actividad propia de la condición humana, de la búsqueda del saber con todos sus colores.

Ese mi primer día como cliente de una nueva librería, Chopin me recibió recordándome, a través del hilo musical abierto para alimentar la estancia de magia philarmónica, que a finales de los setenta, mi yo adolescente disfrutaba de la compañía sabia de un ser altamente interesante que muy pocos de mis conciudadanos intentaron comprender. Un ser que, viviendo su profesión (su vocación) en continua guardia, como las farmacias de 24 horas, a la pregunta de su inquieto discípulo -¿a qué hora vengo a la próxima clase D. Joaquín?- respondía sin pensar: -¿Te viene bien a las ocho de la mañana?- Y a las ocho de la mañana estaba yo saboreando sus enseñanzas, sus historias, sus harmonías, sus philharmonías...