domingo, 6 de diciembre de 2009

La Habanera y su hijo el tango; dos danzas muy presentes en el Teatro Lírico Español.

La frontera entre la habanera y el tango a veces es inexistente; de hecho, el tango desciende de la misma habanera y también de la milonga. La música de hispanoamérica está desde siglos interconectada y el Teatro Lírico Español de un lado y otro del Atlántico se ha enriquecido con cientos de danzas derivadas unas de otras y mil veces evolucionadas, como pasa con estas dos que hoy homenajeo en PHILHARMONÍA DE LAS ESFERAS.
Una de las más famosas habaneras del mundo de la lírica es la de la ópera Carmen, obra que a pesar de ser la principal abanderada del Teatro Lírico Francés, para mi es puro Teatro Lírico Español y creo que no hace falta discutir sobre ello. Sin embargo, no os voy a proponer escuchar hoy esa habanera; prefiero haceros disfrutar con la que cantan los sombríos personajes Verdier, Juan de Eguía y Simpson en el genial Romance Marinero en tres actos LA TABERNERA DEL PUERTO, que el maestro Pablo Sorozábal estrenó poco antes de estallar la Guerra Civil Española.
La siguiente grabación, con la Orquesta Sinfónica de Galicia dirigida por Victor Pablo Pérez, cuenta con la participación de los barítonos Juan Jesús Rodríguez (Verdier) y Juan Pons (Juan de Eguía) y del bajo Enrique Baquerizo (Simpson)

En cuanto al tango, la audición que os escojo es también altamente deliciosa; nada más y nada menos que el tango del tercer acto de nuestra inmortal ópera Marina, también dirigida por Victor Pablo Pérez pero esta vez con la Orquesta Sinfónica de Tenerife y la sección masculina del Coro de Cámara de Tenerife y del Coro del Conservatorio Superior de Música de la misma ciudad. El solista vuelve a ser el gran barítono Juan Pons, esta vez en el simpático papel del huraño y solitario Roque:

lunes, 23 de noviembre de 2009

Manuel de Falla cumple hoy 133 años


Nuestro carismático Manuel de Falla, sagitario él y raro como todos los sagitarios que conozco (un abrazo Julio, cuantas carcajadas pegamos juntos de vez en cuando), es mundialmente conocido por un puñado de composiciones que siempre podremos escuchar en directo o en grabación y que no hace falta recordar aquí; sin embargo, en su pequeño catálogo podemos encontrar deliciosos bombones rellenos de suave licor como el que hoy os voy a proponer escuchar: Psyché (Melodía francesa para Mezzo-soprano, Flauta, Harpa, Violín, Viola y Violoncello).

El Palau de la Música de Barcelona acogió el 9 de febrero de 1925 el estreno de Psyché, compuesta por Falla sobre un poema de Jean-Aubry. Uno de los hallazgos del músico en esta obra resultó de su decisión de trasladar la escena mitológica presente en el poema original al ámbito del Peinador de la Reina en la Alhambra, situando la acción a principios del siglo XVIII. El propio Falla lo explicó así en un texto incluido en la partitura impresa de Psyché:
Recordando que Felipe V y su mujer Isabel de Farnesio vivieron hacia 1730 en el Palacio de la Alhambra, he imaginado, al componer esta Psyché, un pequeño concierto de corte que tendría lugar en este Tocador de la Reina que, situado en una alta torre, descubre un panorama verdaderamente espléndido.
Vamos a oír una versión de Psiché cantada por Victoria de los Ángeles con miembros de la Orquestra de Cambra Teatro Lliure bajo la dirección de Josep Pons.

domingo, 22 de noviembre de 2009

Feliz día de Santa Cecilia para todos los Músicos-Poetas

Estatua yacente de Cecilia en la catedral Sainte Cécile, en Albi (sur de Francia)

Cecilia de Roma, más conocida como Santa Cecilia (en latín Sancta Caecilia), fue una noble romana martirizada según la tradición por su conversión al cristianismo.
En la Iglesia Católica y en la Ortodoxa, es la patrona de la música, de los poetas y de los ciegos.
El órgano y el laúd (además de las rosas), son atributos obligados en sus iconografías más habituales. En honor a ella, un importante movimiento de renovación de la música sacra católica de finales del siglo XIX recibió el nombre de cecilianismo.
Son numerosas las composiciones musicales en su honor; hoy, para celebrar este día tan señalado para todos los Músicos-Poetas, he elegido el poema Anthem for St. Cecilia’s Day (Himno al Día de Santa Cecilia) que Willian H. Auden escribió especialmente para el compositor Benjamin Britten nacido precisamente el Día de Santa Cecilia de 1913, el cual puso en música para coro mixto a capella. Estos dos hombres, ambos británicos, eran amigos muy cercanos; a principios de los años cuarenta incluso vivían en la misma casa que compartían con el tenor Peter Pears, compañero de toda la vida de Britten. Eran gays, en una época en que había mucho menos aceptación de la homosexualidad que la que existe ahora, incluso entre escritores y músicos. En esta poesía y en su tratamiento, se pueden encontrar pasajes sensuales, referencias a la inocencia perdida y varios dobles sentidos. Auden conocía bien la depresión que Britten sufrió toda su vida, y su lucha con la culpa y la autoaceptación.
El siguiente vídeo recoge una interpretación del Coro Santa Cecilia de Helsinki en Finlandia. Este coro de aficionados está dirigido por el Maestro Dag-Ulrik Almquist y suena ansí:



domingo, 15 de noviembre de 2009

Amadeo Vives cumple esta semana 138 años

Es uno de los más grandes compositores de nuestro Teatro Lírico Español. En varias ocasiones, he tenido el honor de poder dirigir su obra maestra Doña Francisquita, inspirada en La discreta enamorada de Lope de Vega. Arriba, podéis oír un dúo que a mi especialmente me gusta mucho y que curiosamente cada vez que lo he dirigido, debido quizás a su dramatismo, nadie ha aplaudido... El público se queda petrificado y anonadado ante la maldad de esa mujer fatal que es Aurora la Beltrana, intentando una vez más encandilar con sus encantos venenosos a Fernando, para alejarlo de su nuevo amor Francisquita. Aurora representa a tantas mujeres que no viven, pero tampoco dejan vivir... A esas mujeres inquietas que buscan un amor cada día, pero no dejan de estar pendientes de su amor verdadero, aquel que ellas saben que es el único que las puede hacer feliz, pero al que continuamente desprecian y pisotean. Cuando perciben que ese amor puede ser perdido para siempre, vuelven a escena con más ímpetu, pero siempre El Universo está al acecho y, finalmente, acaban siendo ellas mismas las depreciadas por todos. Como la vida, Doña Francisquita es siempre un retorno a la eterna juventud y así termina siempre, para volver a empezar...

jueves, 24 de septiembre de 2009

El blog ha estado de vacaciones

Decidí dar una merecidas vacaciones a Philharmonía de las Esferas, porque me dijo que estaba estresado, pero cuando debía incorporarse al trabajo, no apareció, cortándose por tanto el ciclo de cumpleaños de interés. Como tampoco a mi me gusta mucho la rutina, de vez en cuando cambiaré los ciclos si es que me da por cambiarlos. Me cansa mucho hacer siempre lo mismo. No tengo alma de funcionario, aunque de momento tenga que depender (espero que por poco tiempo) de la administración pública, en la que por supuesto no creemos los que pensamos por nosotros mismos; está claramente poseída por los diablos.
Ya es hora pues que este blog siga diciendo algo a las minorías, siempre verdaderas. Como habréis podido comprobar, ya estamos en Libra; os voy a dejar el nombre de algunos compositores nacidos bajo este signo porque se que a más de una persona Libra le gustará saber quienes han nacido durante el primer tercio del otoño: Además del español Pascual Emilio Arrieta (21-10-1823), del que más arriba he colocado un fragmento de su inmortal ópera Marina, son Libra los franceses Jean-Philippe Rameau (25-9-1683), Camille Saint-Saëns (9-10-1835) y Paul Dukas (1-10-1865); el gigante húngaro Franz Listz (22-10-1811), el famosísimo italiano Giuseppe Verdi (10-10-1813), el británico Ralph Vaughan-Williams y el norteamericano George Gershwin (28-9-1898) entre otros.
Os aconsejo que busquéis entre las composiciones de estos maestros las que estén compuestas en las tonalidades enharmónicas de Fa#/Solb Mayor y Re#/Mib menor; la balanza típica de Libra provoca como veis que lo mismo pueda ser llamado de distintas maneras y demuestra que "así como es arriba es abajo"...
¿Qué me decís, que no encontráis ninguna obra de estos compositores en estas tonalidades menos habituales? ¡Claro que si! Quién busca encuentra, pero no hace falta ir demasiado lejos. ¿Quién no conoce el siguiente coro escrito en Fa# Mayor? Creo que no hace falta que os diga ni su título ni su autor ¿verdad?

jueves, 2 de julio de 2009

Hoy se celebra el 295 aniversario del nacimiento de Gluck

Tras unos días de "descanso" en el blog, que me han venido muy bien para estar más centrado en el final de este curso que ha sido a la vez que agotador muy divertido, vuelvo con los cumpleaños (menos mal que durante estos días no ha habido ninguno relevante para la historia de la música; si lo ha habido, yo no me he enterado).
Hoy le toca el turno a un reformador del siglo XVIII, que luchó contra las modas de la ópera italiana de su época y que ha pasado a la historia con el apodo de "El Miguel Ángel de la Ópera"; Christoph Willibald Gluck.
La tercera de sus llamadas "óperas de reforma", la menos representada en nuestros días, es sin embargo la más querida por mi. Se llama "Paris y Elena" y quienes hayan leído a Homero en seguida querrán conocer esta obra... No voy a hablar de ella, hay mucha información y grabaciones, pero sí voy a poner un fragmento, "O del mio dolce ardor", el más conocido quizás, cantado por Teresa Berganza y especialmente dedicado a mis alumnos, porque será un buen ejercicio para ellos leer la partitura que aparece en el vídeo que inserto más abajo mientras escuchan.
El papel de Paris ofrece hoy la dificultad de encontrar un cantante apropiado, pues se escribió para una voz de castrato bastante alta. Las arias de Paris se han adaptado para voz de tenor con transposiciones a una octava inferior, o para sopranos y mezzo-sopranos.
Oigamos a Teresa Berganza mientras leemos:

jueves, 18 de junio de 2009

Los compositores géminis importantes abundan; hoy le toca el turno a Charles Gounod, que cumple 191 años.

Sin duda, este compositor es conocido principalmente por su obra religiosa Ave Maria, compuesta sobre la harmonía del primer preludio de El Clave Bien Temperado de Bach, además de por su ópera Fausto entre otras muchas composiciones, pero muchos forofos de Alfred Hichcock recordarán una música llamada Marche Funebre d'une Marionette (Marcha fúnebre para una marioneta), que alcanzó gran popularidad a raíz de ser utilizada por el genial cineasta británico para abrir la presentación de su serie Alfred Hichcock present (1955-1964) en la cadena CBS y, más tarde, también para La hora de Alfred Hichcock, que estuvo en antena entre 1964 y 1965, en la cadena NCB. Por ello aparece a menudo asociada a la figura del director.
Hitchcock, preguntado sobre el porqué de su uso en una entrevista, afirmó que con ella se había sonorizado la obra Amanecer, de F.W. Murnau, película de 1927 que obtuvo tres Oscars en su primera edición.
Veamos como comenzaba una de esas series, mientras suena la música de Gounod:

miércoles, 17 de junio de 2009

Una película para el 127 aniversario del nacimiento de Igor Stravinsky


Tal día como hoy nació en una ciudad rusa llamada Oranienbaum el longevo y variadísimo compositor Igor Stravinsky, uno de los músicos más transcendentes para la música del siglo XX.
Como siempre, habría mucho que comentar de un maestro tan singular, pero hoy, os voy a anunciar que acaba de estrenarse en el Festival de Cannes de 2009, un film titulado Coco Chanel & Igor Stravinsky, protagonizado por Anna Mougladis en el rol de Coco Chanel y por el dinamarqués Mads Mikkelsen en el de Igor Stravinsky, basado en una novela de Chris Greenhalgh; el breve relato está principalmente enfocado en el apasionado romance secreto entre la diseñadora de modas y nuestro compositor.
La historia conjuga hechos reales y de ficción partiendo del triste estreno en 1913 del Ballet La Consagración de la Primavera en París, donde la música de Stravinsky y la coreografía experimental de Vaslav Nijinsky fueron recibidas con abucheos y silbidos por ser consideradas demasiado modernas y extranjerizantes (!). Siete años después, Chanel, que asistió al estreno, es presentada al empobrecido compositor y lo invita junto a su familia a mudarse a su casa de campo. Pese a que los hechos de lo que pasó durante la breve estadía son vagos, en la película los personajes tienen un apasionado romance que nutre la energía creativa de ambos.

Descubrí que Coco asistió al primer estreno de La Consagración de la Primavera y que Stravinsky vivió en la casa en 1920. Eso es un hecho

aseguró Greenhalgh a los periodistas en Cannes.

Más que eso, había muy poco (de información). Tenía el marco de los hechos, pero la libertad de inventar todo lo que ocurrió al interior de la casa de campo

explicó el cineasta.
Vamos a ver un trailer de esta película que yo personalmente espero ver muy pronto:

lunes, 15 de junio de 2009

Una canción para el 166 cumpleaños de Edward Grieg


Hace unos minutos, chateando con la soprano Maribel Ortega, que me ha comunicado que para noviembre viene por fin a su ciudad natal para cantar la ópera Macbeth en el Teatro Villamarta, teatro en el que debuta como profesional después de varios años en Barcelona cantando multitud de roles en ópera y zarzuela, le pregunté: ¿has cantado algo de Grieg? hoy es su cumpleaños y, como siempre, hago las entradas espontáneamente buscando siempre algo no tan habitual o alguna información no demasiado conocida...

Me dijo que una vez había cantado la canción Ich Liebe Dich (en español sería algo así como: Te Amo). Acto seguido, me pongo a buscar y, aunque desgraciadamente no puedo poner una versión cantada por Maribel, sí vamos a poder disfrutar de otra cantada por una soprano española descendiente de la gran Lola Rodríguez Aragón, que tantos buenos cantantes formó en la Escuela Superior de Canto de Madrid y que tantos buenos cantantes siguen formando sus alumnos, siguiendo la estela de la gran Lola (Maribel empezó estudiando en Musicry, Centro de Estudios Musicales de Jerez con María José Sánchez, discípula de Teresa Tourné que a la vez fue discípula de Lola Rodríguez Aragón).

La soprano del siguiente vídeo es Paloma Pérez-Íñigo, que cantará al maestro geminiano que hoy cumple 166 años acompañada al piano por Julio García Casas:



jueves, 11 de junio de 2009

Hoy cumple 145 años Richard Strauss


Se acerca el solsticio de verano y con él, la historia de Juan el Bautista. Nuestro compositor de hoy tiene, entre sus óperas, una que, basada en una obra de Oscar Wilde, SALOMÉ, nos cuenta la siguiente historia relacionada con este profeta:
En una noche de luna llena, en el palacio de emperador, durante el reinado de Herodes Antipas, hastiada de la fiesta que allí se celebra, la joven princesa de Judea, Salomé, pide ver al extraño prisionero que, alojado en la cisterna, proclama la llegada del Mesías. Es Iokanaan (Juan, el bautista).
Al contemplarlo, Salomé se enamora y le ruega que acceda a sus deseos carnales. El profeta la rechaza violentamente y la maldice. La joven jura venganza, es la primera vez que alguien no accede a sus caprichos.
El pervertido Herodes que gusta de su hijastra Salomé, le pide que baile a cambio de un deseo, sea éste el que sea. Salomé le hace jurar que cumplirá su palabra y, a pesar de las protestas de su madre Herodías, la esposa de Herodes, baila la danza de los siete velos. Luego de bailar, Salomé pide su deseo: la cabeza del profeta en un bandeja de plata.
Herodes intenta desesperadamente satisfacerla con otras cosas para persuadirla de su insensatez.
Pero ella está convencida de que lo único que desea es la cabeza del hombre.
Finalmente Herodes accede.
La ejecución del Bautista es el punto álgido de la obra, no se ve en escena pero la orquesta es la encargada de registrar el momento.
Un guardia entrega la cabeza en la bandeja a Salome que, enloquecida de placer, hace el monólogo culminante de la ópera "Ah, no quisiste besarme, ahora yo te besaré".
Desquiciada, le declara su amor ante la mirada espantada de los presentes. En el momento en que la princesa besa la cabeza sangrante del profeta, Herodes ordena a los soldados que la liquiden.
La danza de los siete velos se ha convertido en la pieza más popular de esta ópera; la podemos disfrutar en el siguiente vídeo grabado en 1990 en Berlín, en el que podemos ver a la soprano Catherine Malfitano bailando mientras suena la orquesta dirigida por Giuseppe Sinopoli:

miércoles, 10 de junio de 2009

Hoy se cumplen 144 años del estreno de Tristán e Isolda


Esta ópera de Richard Wagner, sobre cuya historia, argumento, etc. hay escritos cientos de libros que debéis consultar para mayor información, comienza con un acorde muy particular que, por inclasificable según las leyes de la harmonía tradicional, ha pasado a ser conocido como el Acorde de Tristán.

El Acorde de Tristán está formado por las notas Fa, Si, Re# y Sol#, denominándose así a cualquier otro acorde formado con los mismos intervalos musicales, aún en otras tonalidades: partiendo de la nota más grave, una cuarta aumentada, una tercera mayor y una cuarta justa.
Se trata del primer acorde que se escucha en el movimiento "langsam und schmachtend" (lento y languideciendo) y que podéis ver (y tocar) en el fragmento que he insertado como encabezamiento de esta entrada.

En realidad, como con todo lo relativo al análisis harmónico, dando vueltas a las leyes clásicas sí podríamos explicarlo sin ningún problema considerando el Sol# que suena en la voz superior como apoyatura inferior de la nota La en la que desemboca... En tal caso, podríamos decir que se trata de un Acorde de Sexta Aumentada (concretamente el denominado Sexta Francesa) que comienza con la citada apoyatura... Fácil ¿verdad? Pues vamos a pasar a oír el Preludio completo, en una versión dirigida por Daniel Barenboim con la Orquesta de París:

lunes, 8 de junio de 2009

Hoy cumple 199 años Robert Schumann

Robert y Clara Schumann
Zwickau, 8 de junio de 1810. Una nueva partitura humana comienza a sonar. Por la fecha de su nacimiento, la armadura debiera contener un par de sostenidos, sin embargo, la tonalidad de Re Mayor, lado masculino de géminis, con el tiempo, se torna menor, toma un sólo bemol y es en esta oscura mezcla de vibraciones de Re menor donde tenemos que buscar los secretos más escondidos de Robert...
Y el secreto está en Clara, su esposa y magistral pianista que nace en septiembre resonando en Fa mayor, lado masculino de Virgo y tonalidad masculina conyugal de la transmutadora Re menor, siempre presente en el siempre aspirante a la transfiguración Robert Schumann, que prefiere convertirse en el lado femenino de esta pareja imprescindible para la Historia de la Música...
Y en Re menor está su cuarta Sinfonía, la que lleva por número de Opus el 120. Es una de las sinfonías más originales compuestas tras la muerte de Schubert y Beethoven y que os invito a oír a través de la Cleveland Orchestra, acariciada por las manos de George Szell, pero, antes, os voy a contar otro secreto: Schumann, como buen artista, no estaba cerrado al mundo de lo esotérico y, su creación temática, venía de lo más alto... Schubert y Mendelssohn, con quienes se comunicaba en sesiones de espiritismo (está documentado), le enviaban a través de los ángeles los contenidos temáticos que nos tenía que desvelar... ¡Oídlos!

I. Ziemlich langsam - Lebhaft


II. Romanze. Ziemlich langsam

III. Scherzo. Lebhaft

IV. Langsam. Lebhaft

martes, 2 de junio de 2009

Hace 152 años, Broadheath, ciudad inglesa, fue testigo del nacimiento de un géminis enigmático y especial: Sir Edward Elgar.

Efectivamente, este ser enigmático que en 1897 escribió una carta cifrada a Dora Penny (el "Cifrado Dorabella", Dorabella Cipher), formada por 87 caracteres en 3 líneas de texto, cuyo contenido permanece oculto hasta la actualidad, ya que nunca ha podido ser descifrada, Estrenó en 1899, a la edad de 42 años, su primer gran trabajo orquestal, las Variaciones Enigma. La obra fue aclamada, posicionando a Elgar como el compositor británico más prominente de su generación. El trabajo se titula formalmente "Variaciones sobre un tema original (Enigma)". El enigma consiste en que a pesar de haber trece variaciones del "tema original" (el tema enigmático), que según Elgar "atraviesa la obra entera", en realidad nunca se lo escucha explícitamente. Elgar dedicó la obra a "mis amigos retratados en ella" ; cada variación muestra un emotivo retrato de algunas de sus relaciones sociales más cercanas.
Se cuenta que un día de 1898, después de una cansadora jornada de enseñanza, Elgar soñaba frente al piano. Una de las melodías que improvisó llamó la atención de su esposa y, como le agradó, le pidió que la repitiera. Entonces, para entretener a su mujer, empezó a improvisar variaciones, cada una retratando a un amigo, o al estilo musical que podría usar. Más adelante, Elgar expandió estas variaciones y las orquestó.
Hoy vamos a oír de estas variaciones la que lleva por título Nimrod, en versión de la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Daniel Barenboim.

lunes, 1 de junio de 2009

Hoy hace 205 años que Mihail Ivanovich Glinka nació en Novospasskoye

Gran admirador de la música popular, no sólo de la de su país, Rusia, sino también de la que tuvo a bien conocer en sus viajes entre los que se incluye España, Glinka está considerado como el "padre" del nacionalismo musical ruso, por ser el primero en introducir temas propios del folclore en sus composiciones.

Para la historia de la música es de vital importancia saber que inspiró a un grupo de compositores a reunirse (más tarde, serían conocidos como "los cinco") para crear música basada en la cultura rusa. Este grupo, formado por los compositores Balakirev, Rimski-Korsakov, Borodin, Mussorgsky y Cui, posteriormente fundaría la Escuela Nacionalista Rusa, demostrando que no hace falta ninguna vinculación con el mundo de los conservatorios para hacer música.

Sus obras más conocidas son sus óperas "Una vida por el Zar" y "Rusland y Ludmilla", pero en nuestro país se suele programar bastante la "Jota Aragonesa" que compuso con motivo de la visita anteriormente reseñada y que podemos escuchar en versión de la STAATSKAPELLE DRESDEN dirigida por Sir Neville Marriner.

domingo, 31 de mayo de 2009

El viernes 29 cumplieron años dos compositores innovadores...




Isaac Albéniz

Efectivamente, cada uno a su manera (Isaac Albéniz e Iannis Xenakis) y según el momento en que les tocó vivir, aportaron a la música semillas de evolución e inmortalidad.

No voy a hablaros a estas alturas de Isaac Albéniz; ya sabéis, como yo, que quien desea saber, hoy día tiene medios ilimitados para poder conseguir el conocimiento que en cada momento necesite.

Isaac Albéniz cumplió el viernes 149 años. Su producción es extensa y, en gran parte famosa hasta para los no iniciados.

Hoy vamos a ver y oir un fragmento curioso de su ópera Pepita Jiménez, que apareció en el indigesto No-do que muchos hemos tenido que tragarnos en el cine de otras épocas, como aperitivo semejante a la cucharada de Quina Santa Catalina, que nuestras abuelas nos daban antaño, con la buena intención de abrirnos el apetito...

Ese fragmento tiene sin embargo un interés alto por contener en escena a una pareja inmortal de la lírica española: Alfredo Kraus y Pilar Lorengar.

La producción es también curiosa: se trata de la versión que realizó en 1964 Pablo Sorozábal y que tuvo dos representaciones en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En las memorias de Pablo Sorozábal, se pueden leer algunas anécdotas relativas a las citadas representaciones, entre las que se destacan las "amables" palabras que el maestro vasco, tan castigado por los esclavos voluntarios del franquismo, se atrevió a dirigir a uno de ellos, Manuel Fraga, que en aquellos instantes tenía la desgracia de ser ministro del citado régimen asesino... Cuando Fraga fue a los camerinos (aún se puede ir a los camerinos a visitar a los artistas en el Teatro de la Zarzuela, a diferencia de ciertos teatros catetos de provincias en los que no está permitido) a saludar al maestro Sorozábal, le dijo: Maestro, estará usted contento... Sorozábal le respondió: En absoluto; usted igual que yo, sabe que a esta obra sólo se le darán un par de representaciones y adios muy buenas...

Pero volvamos al protagonista principal, Isaac Albéniz y a su obra Pepita Jiménez, en voz de Kraus y Lorengar (advierto que al final sale la voz odiosa del locutor del No-do, pero afortunadamente podemos interrumpir el vídeo cuando queramos)











En cuanto a Xenakis, también cumplió años el viernes, pero algunos menos, sólo 87 y los ha tenido que celebrar desde las esferas, pues en 2001 le dio por cambiar su envoltorio...
La complejidad del personaje la vais a poder comprobar leyendo un fragmento de su obra "Formalized Music: Thought and Mathematics in Composition”:
“Como resultado del punto muerto en la música serial, así como de otros motivos, en 1954 originé una música construida en base al principio de la indeterminación; dos años más tarde la llamé “música estocástica”. Las leyes del cálculo de probabilidades entraron en la composición por pura necesidad musical. Pero otros caminos también llevaron a la misma encrucijada, el más importante: los acontecimientos naturales, tales como la colisión del granizo o la lluvia
sobre superficies duras, o el canto de las cigarras en un campo veraniego. Estos acontecimientos sonoros están constituidos por miles de sonidos aislados; esta multitud de sonidos, vista como una totalidad, es un nuevo acontecimiento sonoro. Este acontecimiento masivo está articulado y forma un molde temporal flexible, que de por sí sigue las leyes aleatorias y estocásticas. Si alguien desea formar una gran masa a partir de notas puntuales, como con pizzicati de cuerdas, debe saber estas leyes matemáticas, que, en cualquier caso, no son más que una estricta y concisa expresión de cadenas de razonamiento lógico. Todo el mundo ha observado los fenómenos sonoros de una multitud política de decenas o cientos de miles de personas. El río humano grita un lema con un ritmo uniforme. Entonces otro lema surge desde la cabeza de la manifestación; se extiende hacia la cola, reemplazando el primero. Una onda de transición pasa de la cabeza a la cola. El clamor llena la ciudad y la fuerza inhibidora de la voz y el ritmo llegan a un clímax. Es un acontecimiento de gran poder y belleza en su ferocidad. Entonces, el impacto entre los manifestantes y el enemigo se produce. El perfecto ritmo del último lema se rompe en un gran grupo de gritos caóticos, que también se extiende hasta la cola. Imagina, además, los estallidos de las ametralladoras y el silbido de las balas intercalándose en ese desorden total. La multitud se dispersa rápidamente y después del infierno sonoro y visual sólo queda el silencio, lleno de desesperación, polvo y muerte. Las leyes estadísticas de estos acontecimientos, separadas de su contexto político o moral, son las mismas que aquellas de las cigarras o de la lluvia. Son las leyes
de transición desde el orden absoluto al desorden total de una manera continua o explosiva. Son leyes estocásticas [Xenakis, 1971].”
Como habréis podido comprobar, sobran mis palabras; será mejor que pasemos a oír algo de su producción... ¿Os parece Metastasis un título sugerente? Pues nada, ahí lo tenéis:

jueves, 28 de mayo de 2009

Hoy cumple 84 años Dietrich Fischer-Dieskau



Las esferas y sus philharmonías están de fiesta. El asteroide nº 42482 cumple hoy 84 años... No, no es ningún tipo de recurso literario, es una realidad. Este señor que aquí veis, eminente barítono, director de orquesta y musicólogo alemán, nació tal día como hoy en Berlín y, sus numerosos méritos musicales, le han concedido el honor de bautizar con su nombre al astro citado.

¿Existe algún compositor al que no haya cantado este genio de los resonadores faciales? De las numerosísimas grabaciones que de él conozco, casi ninguno se queda fuera, especialmente en el mundo de los lieder; los de Schubert por ejemplo los ha grabado prácticamente en su totalidad.

Víctima de las indecencias políticas, sufrió durante dos años cautiverio como prisionero de guerra de los estadounidenses. Sin embargo, su larga vida es valorada positivamente por él mismo como demuestran estas palabras vertidas en una entrevista que le hicieron en 2005:
Fui un viudo y he sufrido mucho en mi vida y fui un soldado, que fue lo peor de todo. Pero es buena cosa haber vivido una vida que ha tenido buenas consecuencias.
Aunque retirado como cantante desde 1992, Fischer-Dieskau ha seguido activo como director de orquesta, escritor y, principlamente como profesor, siendo una autoridad indiscutible en lo referente a la interpretación del lied.
Precisamente vamos a escucharlo cantando Lieder, concretamente de Schumann, para ser fieles con los momentos estelares que estamos viviendo estos días en los que el Sol camina por Géminis, signo al que pertenece Fischer-Dieskau y al que también pertenece Schumann.


domingo, 24 de mayo de 2009

Wesendonck-Lieder

Esta señora que aquí veis es Mathilde Wesendonck, esposa de un banquero y mecenas llamado Otto Wesendonck, a la vez que amor platónico de Richard Wagner que, con las letras de unos poemas que ella misma había escrito, compuso el ciclo de canciones titulado Wesendonck-Lieder, para voz femenina y piano. Actualmente, suele ser más habitual que se cante la versión orquestada por Felix Mottl, con soprano o con mezzo-soprano e incluso hasta con tenor y no es extraño que algún que otro barítono también se anime a cantarla.
La versión que hoy os presento es anónima, pero la voz que suena me recuerda mucho a Jessye Norman y casi me atrevería a afirmar que es ella la protagonista de las cinco grabaciones siguientes:
Empecemos por la primera canción del ciclo, cuya traducción os proporciono:
Der Engel (El Ángel)
En los albores de mi infancia oí decir que los ángeles cambiaban las felicidades celestes por la luz del sol terrenal. Así, cuando un corazón apenado oculta al mundo su pesar, cuando sangra en silencio y se funde entre lágrimas, cuando ruega con fervor pidiendo solo su liberación el Ángel desciende hacia él y, dulcemente, le conduce al Cielo. Sí, también un Ángel ha descendido sobre mí y sobre sus alas resplandecientes eleva, lejos de cualquier dolor, mi espíritu hacia el cielo.


En la segunda, si leéis la traducción, percibiréis en el acompañamiento el perpetuo devenir del tiempo...

Stehe still! (Detente)

Oh incesante Rueca del Tiempo, medidora de la Eternidad Esferas centelleantes del gran Todo que rodea nuestro globo. Creación original ¡detente! Cesad en vuestro perpetuo devenir ¡dejadme ser! ¡Detente fuerza creadora! Pensamiento primero en constante creación ¡Deteneos, hálitos! ¡Enmudeced deseos! Concededme un solo segundo de silencio. ¡Pulso enloquecido, calma tus latidos! ¡Detente, día eterno de la voluntad! A fin de que, en un afortunado y dulce olvido, pueda medir toda mi alegría. Cuando los ojos beben la alegría en otros ojos, cuando el alma entera se anega en otra alma, cuando el ser se encuentra en otro ser enmudecen los labios, silenciosos en su asombro y nuestro corazón secreto ya no tiene ningún anhelo. El hombre reconoce el sello de la Eternidad y resuelve su enigma, Santa Naturaleza.


La tercera sirvió a Wagner como boceto de algunos elementos presentes en el segundo acto de Tristán e Isolda; ahí van su título y traducción:

Im Treibhaus (en el invernadero)

Coronas de follaje en altas arcadas, baldaquines de esmeralda, vosotros, hijos de lejanas religiones, decidme ¿por qué os lamentáis? Inclináis en silencio vuestras ramas, dibujáis signos en el aire y, como mudo testigo de vuestras penas, se exhala un dulce perfume. Grandes, en vuestro ardiente deseo, abrís vuestros brazos para estrechar vanamente el horror espantoso del vacío. Sé muy bien, pobres plantas, que compartimos un igual destino. Aunque viviésemos entre una luz radiante nuestro hogar no está aquí. Al igual que el sol gozoso, que abandona el vacío esplendor del día, aquel que verdaderamente sufre se envuelve con el obscuro manto del silencio. Todo se calma. Un susurro ansioso llena la estancia obscura. Estoy viendo cómo pesadas gotas se hinchan en los verdes bordes de las hojas.


La cuarta canción se titula:

Schmerzen (Penas, tormentos)

Sol, lloras todas las noches hasta que logras enrojecer tus bellos ojos cuando, bañándote en el espejo del mar,
te ves abatido por una muerte prematura. Pero regresas con tu antiguo esplendor, gloria del mundo obscuro,
despertando en la aurora como un orgulloso héroe vencedor ¿Por qué, pues, debería lamentarme? ¿Por qué mi corazón ha de ser tan pesado? ¿Por qué incluso el propio Sol ha de desesperarse? ¿Por qué el Sol tiene que desaparecer? Y si solo la muerte da nacimiento a la vida, si solo los tormentos proporcionan la alegría, ¡oh, cómo te doy las gracias, Naturaleza, por los tormentos que me has dado!


Por último, otra canción que sirve como boceto a nuevos elementos posteriores; en este caso para el tercer acto de Tristán e Isolda:

Träume (Sueños)

Dime ¿qué sueños maravillosos retienen prisionera a mi alma, sin desaparecer, como pompas de jabón, en una nada desolada? Sueños que a cada hora de cada día florecen más hermosos. Y que, con sus prefiguraciones del Cielo, pasan felizmente a través de mi espíritu. Sueños que, como rayos de gloria, penetran en el alma para pintar en ella una imagen eterna: ¡el olvido de todo! ¡el recuerdo único! Sueños parecidos al sol de la primavera cuyos besos hacen brotar las flores entre la nieve y que, con una inimaginable felicidad, acogen al nuevo día. Y creciendo, y floreciendo, y soñando, exhalan su perfume, y se marchitan, dulcemente, sobre tu pecho para descender después al sepulcro.


sábado, 23 de mayo de 2009

Ayer cumplió 196 años Richard Wagner



¡SE ME OLVIDÓ POR COMPLETO!

Precisamente por la tarde, mi amigo Manuel el contrabajista me hacía comentarios sobre sus incursiones en este blog y yo le decía: pues la próxima entrada la pondré el día 22, que será el cumpleaños de Wagner... ¡Y estábamos a 22!

Bueno, espero que no me mande a sus Walquirias para atravesarme con sus lanzas, indignado por mi torpe olvido...

Mañana domingo, con un poco de más tiempo, escribiré algo sobre uno de mis más adorados compositores; hoy, me consuelo con volver a poner en este blog lo más cercano que tengo a mano que, precisamente es, según mi maestro Jacques Chapuis, una de las melodías más bellas que jamás se hayan escrito: la obertura de Tannhauser, el único mortal que de verdad ha conocido el amor, por haberlo disfrutado precisamente con la diosa Venus en su monte sagrado...

Cuidado los enamorados, porque esta pieza tiene un gran poder afrodisíaco y, sobre todo, esta versión dirigida por Celibidache... (¡Ay!...)




martes, 19 de mayo de 2009

Benedetti no ha muerto...



No es cierto.

Como tantas noticias falsas que a diario nos inundan, en los medios de comunicación han anunciado la muerte de Mario Benedetti... ¿Aún no se han enterado que los grandes maestros son eternos? ¿Aún no se han enterado que un simple envoltorio físico no es sino un pequeño receptáculo portador de energías infinitas que laten más allá del tiempo y del espacio?

Para demostraros que Mario Benedetti sigue entre nosotros, os dejo el siguiente vídeo, en el que nos cuenta, a través de Serrat, con sabrosas palabras bañadas de sonido, su gusto por ciertas maravillas que nos da la vida...


domingo, 17 de mayo de 2009

Hoy cumple 143 años Erik Satie


Desbordante imaginación, agudo sentido del humor, místico, esotérico, libre... Eso sí, libre, sobre todo libre. Erik Satie nunca quiso pertenecer a ningún movimiento colectivo y, a la vez, muchos de estos movimientos (simbolistas, cubistas, dadaístas, surrealistas, neoclásicos, conceptuales, repetitivos, minimalistas, fluxus, new age, ambient music...) lo han querido tener como uno de los suyos.

En el día de su cumpleaños, quiero resaltar sobre los miles de comentarios que podrían decirse sobre su personalidad y sobre su obra, uno de ellos: su peculiar sentido del humor.

Erik se presentaba como un "hombre del género de Adán (del paraíso)" y, muchas de sus frases, no tienen desperdicio: "Yo me llamo Erik Satie, como todo el mundo".

En sus partituras, abundan una serie de indicaciones que, al contrario de las que podemos encontrar en los demás compositores para realzar el carácter de la obra, en Satie no tenían como objetivo mejorar ningún recurso técnico, sino más bien influir en el estado de ánimo del ejecutante. Así, el intérprete mientras tocas una partitura puede encontrarse frases entre los pentagramas como las siguientes: "sobre terciopelo amarillecido..."; "sin que el dedo se ponga colorado..."; "como un ruiseñor con dolor de muelas..."; "de dientes afuera..."; "lacado como un chino..." y muchas más.

Hubo pianistas tan fascinados por aquellas frases que mientras las tocaban en público las leían en voz alta, cosa que a Satie no le agradaba de ninguna manera pues las consideraba una relación privilegiada entre su composición y el intérprete que nadie más debía conocer; un secreto entre los dos. Tal era la cólera que le produjo una vez que Arnold Schoenberg las leyera mientras tocaba durante un concierto de música francesa en Viena, que en una edición de su obra para piano Heures seculaires et instantanées publicó la siguiente nota al margen:

A cualquiera:
Prohibo leer en voz alta el texto durante el transcurso de la ejecución musical. Todo incumplimiento de esta observación levantará mi justa indignación contra el petulante.
No se conceden privilegios.
ERIK SATIE
Pasemos ahora a disfrutar con una gotita de su producción que siempre me produjo especial deleite: la Gymnopedie nº 1. Primero os propongo ver un vídeo de danza contemporánea recreando un fragmento de esta pieza:

Seguidamente, vamos a disfrutar de la versión orquestal que Debussy realizó de la citada Gymnopedie nº 1 junto a la Gymnopedie nº 3:


Espero que os haya gustado.
Sólo se nos ha quedado en el tintero un compositor tauro: Sergei Prokofiev. Cuando empecé con esta serie de cumpleaños ya había pasado el suyo. Prometo hablaros algo de él en algún otro momento.
Dentro de unos días, retomaremos el tema con los compositores géminis, entre los se encuentran una buena porción de gigantes de la música.
Hasta el día 22...

viernes, 15 de mayo de 2009

Hoy cumple 442 años Claudio Monteverdi


Si tenemos la suerte de presenciar una representación del Orfeo de Monteverdi, tras la fanfarria inicial, un personaje alegórico, LA MÚSICA, canta con su lira estas palabras:
Desde mi Parnaso amado
vengo a vosotros, ilustres héroes,
famosos descendientes de reyes,
de los que la fama relata
imperfectamente sus méritos,
pues son sublimes.
Soy yo, la Música,
quien con sus dulces acentos
sabe apaciguar
los corazones alterados
y que puede inflamar
de cólera o de amor
los espíritus más fríos.
Cantando a los sones
de mi cítara de oro,
acostumbro a alegrar
los oídos de los mortales e incito
al alma a desear
más ardientemente
entender las armonías
de la lira celeste.
Cuando hago alternar los cánticos
alegres o tristes,
ningún pájaro
se mueve en las ramas,
ninguna onda murmura
sobre las orillas
y la brisa suspende su camino.
Hoy, para celebrar el cumpleaños de este músico que marcó una interesante transición del renacimiento musical al barroco y al que debemos importantes aportaciones al mundo de la ópera, así como a muchos efectos orquestales novedosos para su época, os propongo saborear el comienzo de la citada ópera, justo hasta que se cantan las palabras reseñadas. El vídeo que a continuación añado está grabado en el Liceo barcelonés y así de imponente comienza esta versión, dirigida por Jordi Savall:

martes, 12 de mayo de 2009

Hoy cumple 164 años Gabriel Fauré


Compositor, pedagogo y pianista, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia, debido a la elegancia de su escritura, a la perfección con la que trata la forma musical, a la constante búsqueda de la belleza y a su intenso melodismo. Es también una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.
Discípulo y amigo de Camille Saint-Saëns, Fauré se inició como organista en diversas parroquias de París, antes de que le fuera concedido el cargo de maestro de coro de la Madeleine en 1877. Primer organista de esta iglesia desde 1896, ese mismo año entró en el Conservatorio de París como profesor. Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX, como Maurice Ravel, Charles Koechlin (profesor de harmonía de uno de mis más queridos maestros, Joaquín Villatoro), Florent Schmitt, Nadia Boulanger (profesora de composición de otro de mis maestros entrañables, Manuel Castillo) o el rumano George Enesco.
En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera profesoral al ser nombrado director de dicha institución. Dimitió de este cargo en 1920 a causa de la sordera, que en los últimos años de su vida fue total.
Como compositor, Fauré destacó sobre todo en la creación de música de cámara y para piano, y de melodías para voz y piano. Sus dos sonatas para violín y piano (1876 y 1917), sus dos cuartetos con piano (1879 y 1886), los Nocturnos para piano solo (1875-1921) o el ciclo de melodías sobre poemas de Verlaine La bonne chanson (1894), entre otras obras, representan lo mejor de su talento en este campo. Sin embargo, no se deben olvidar algunas de sus incursiones en la escena lírica, con títulos como Prométhée (1900) y Pénélope (1913), o la música incidental compuesta para el drama de Maurice Maeterlinck Pelléas et Mélisande (1898), uno de cuyos fragmentos, Siciliana, se ha convertido con el tiempo en una de las páginas más divulgadas del compositor francés. Oigamos esta pieza, interpretada por dos músicos de lo que sólo me constan sus nombres de pila: Laura (flauta) y Manolo (piano)...



Como dicen que rectificar es de sabios, rectifico: En el concierto didáctico que presenté el pasado martes 21 de abril en el Salón Cultural del Centro Social La Granja de Jerez, tuve un pequeño error afirmando que Gabriel Fauré había nacido un 6 de enero; hoy queda claro al celebrar su cumpleaños que no es así...

De toda su producción, a mi particularmente me llena bastante su Requiem, que como todo requiem es, más que música para la muerte, música para la nueva vida. Terminemos este recuerdo de otro de los grandes sordos musicales saboreando el final de esta obra, In paradisum, esta vez modelada por las manos mágicas de Sergiu Celibidache: